¿Cómo valorar el tiempo y el esfuerzo que lleva mezclar colores en los tonos deseados? ¿El coraje te hunde cuando tienes que elegir entre todos esos colores? Entonces has encontrado el libro que te ayudará a salir de este problema. Incluye una lista de más de 10 mil mezclas de colores en todos los medios, además de explicaciones detalladas de las principales propiedades del color, como el calor, la intensidad, la densidad y el tono. Sumado a esto, el autor entrega consejos prácticos para la composición de una paleta de colores. Un trabajo de referencia para todos los artistas que usan pintura al óleo, acrílicos, acuarelas, gouache, pasteles suaves, lápices o tintas.

En esta nueva edición Pantone, la experta en color Leatrice Eiseman directora ejecutiva del Pantone Color Institute, ha actualizado las guías clásicas con un texto ameno y a la vez especializado, seleccionando imágenes para presentar un enfoque completamente nuevo de 30 ambientes cromáticos, además de combinaciones que ilustran como nunca el efecto, la gama y las posibilidades cromáticas al servicio de los diseñadores. Una guía de las referencias cromáticas de mayor éxito, destinada a diseñadores, profesores y estudiantes, o a cualquier persona fascinada por el color.

Esta recopilación de textos del arquitecto chileno Smiljan Radić abarca veinte años de producción escrita. Los textos fueron escritos por diversos motivos: en ocasión de la publicación de algún libro, como conferencias o para acompañar alguna exposición. Suponen un complemento inestimable para entender mejor la obra de este magnífico arquitecto, pero también pueden leerse de manera independiente, como sagaces y personales reflexiones alrededor de temas de arquitectura o de otras disciplinas. En palabras del autor del prólogo, Patricio Mardones: “Son textos que no ocultan una componente autobiográfica, donde las referencias a otros autores aparecen solo por resonancia con un hecho particular o como homenaje por una definitiva afinidad personal. Como notas de un diario de vida fragmentario o como si fueran repaso en torno a una colección de memorias […], casi siempre son ensamblajes de varias piezas o párrafos que, aunque escritos por un arquitecto, no intentan referirse ni a un proyecto ni a una obra en particular”.

Un análisis en profundidad de las ideas clave que cambiaron la forma de vestir, desde mediados del siglo XX hasta hoy, acompañado de un estudio de las prendas de ropa más emblemáticas, cómo se llevaron, qué surgió de ellas, su trasfondo cultural, su acogida entre el público y su influencia en la moda actual. El armario moderno debe su desarrollo no solo a los diseñadores de París o de Milán, sino también a los grupos y a los movimientos que existen gracias a una apreciación compartida de la música, el deporte, a una cultura en concreto o a un determinado estilo que define una pertenencia. Estos estilos han cambiado la normativa establecida, han creado estereotipos, han conseguido expresar división social al tiempo que han unido a las personas, han comunicado, se han expandido por todo el mundo y, sobre todo, han transformado la forma de vestir de un amplio público. El concepto de moda urbana, lejos de quedar atrás, probablemente es más actual que nunca. Antaño, la expresión hacía referencia a las modas populares no dictadas por las pasarelas, una forma de vestir que expresaba la personalidad de aquellos a quienes la sociedad no consideraba modernos, sino algo mejor, con estilo. Hoy, se ha extendido la idea de que el verdadero estilo es el que se encuentra a pie de calle: las pasarelas se inspiran en él y lo reinventan en una versión más glamurosa. Dados los profundos cambios sociales y tecnológicos de inicios del siglo xxi, la proliferación de la moda urbana y la moda destinada al mercado de masas solo puede ir en aumento. Internet y la omnipresente fotografía digital hacen posible mostrar rápidamente a todo el mundo estilos que antes eran muy reducidos, locales y casi de culto. Además, desde el punto de vista tecnológico, la agilidad del muestreo, la rapidez de los sistemas de producción y la mano de obra barata permiten a las marcas del mercado de masas imitar la prenda más actual y extenderla por el mundo en cuestión de días. Así, las tendencias se desarrollan, expanden, culminan y desaparecen más rápido que nunca en la historia del sector.

Para evitar el calor en el interior, no debe permitirse que el sol penetre en él. Los colores del exterior afectan al consumo energético. Una ventana alta deja que la luz natural entre hasta mayor profundidad. Los edificios pesados se calientan y se enfrían lentamente. Los edificios ligeros se calientan y se enfrían rápidamente. El agua almacena más calor que el hormigón. La masa térmica es lo opuesto al aislamiento. Entender cómo responden los edificios a sus entornos puede ayudarnos a reducir de forma significativa el consumo de calefacción, iluminación y refrigeración artificiales. Este libro reúne 101 reglas básicas para optimizar el uso de la energía natural en arquitectura y proyectar de un modo directo e intuitivo de acuerdo con los principios del bajo consumo energético. Esta guía fundamental y de fácil uso está repleta de buenos consejos y reveladoras ilustraciones que nos permiten apostar por la reducción del consumo energético desde los principios más básicos.

Descubra la selección más exquisita de viviendas nuevas del mundo. Este cuidado compendio global incluye obras de autores consolidados como Shigeru Ban y Marcio Kogan, junto a otros creadores emergentes como Xu Fu-Min, Vo Trong Nghia, Desai Chia y Shunri Nishizawa. Organizado por arquitectos e ilustrado con fotografías y planos, el resultado es una completa panorámica del hogar contemporáneo.

Desde sencillas pulseras elaboradas a base de nudos hasta sofi sticados broches, los accesorios creados con macramé nos llevan a un universo repleto de posibilidades. Sawa Matsuda nos invita a adentrarnos en la versión más delicada e intimista de la tejeduría hecha a base de nudos. · Básicos. Conocerás los tipos de nudos, los hilos y cordeles y todos los materiales fundamentales para crear accesorios de macramé. · Proyectos. Pulseras, broches, pendientes, anillos, colgantes Podrás practicar con más de 30 bellos proyectos diseñados por Sawa Matsuda, todos ellos explicados detalladamente a partir de patrones, fotografías e instrucciones paso a paso. · Relajación. Entrarás en contacto con una labor que produce una profunda sensación de calma y desconexión. Disfruta del tacto del material y pasa un rato relajado con los diseños de la artesana japonesa.

Rem Koolhaas es uno de los grandes pensadores y polemistas contemporáneos acerca de la ciudad. Desde que en 1978 publicara su texto fundamental Delirio de Nueva York, el arquitecto holandés se ha catapultado como una de las voces más escuchadas a la hora de abordar la reflexión en torno a la ciudad contemporánea. Sus aportaciones se han centrado en el estudio de determinadas urbes o condiciones urbanas (además de Nueva York, Atlanta, Singapur, Lagos, etc). Este volumen, sin embargo, recoge cuatro textos intermedios aparecidos de forma dispersa ¿Qué ha sido del urbanismo?, Grandeza, o el problema de la talla, La ciudad genérica y Espacio basura que, sin centrarse en ninguna ciudad en particular, recogen la visión general de Koolhaas sobre la muerte del urbanismo moderno y el nacimiento de un nuevo urbanismo sin teoría ni arquitectos.

Este nuevo compendio del trabajo de Tadao Ando abarca su carrera desde los inicios en 1975 hasta la actualidad. Basado en la monumental edición XXL, este volumen más accesible descubre el trabajo del maestro de la modernidad a través de fotografías y dibujos arquitectónicos, e incluye proyectos tan recientes como el Poly Theater de Shanghái y el Clark Center en el Clark Art Institute de Williamstown (Massachusetts, EE UU).

El ser humano no es el único animal arquitecto. Prácticamente en todo el reino animal puede encontrarse cierto grado de hábito constructor y las especies con mayor capacidad constructora están distribuidas en todos los filos, desde los protozoos hasta los primates. Asombrado desde niño por la labor arquitectónica de los otros animales, Juhani Pallasmaa repasa en este libro la actividad constructora de innumerables especies poniendo el foco en las funciones de las obras arquitectónicas y en los métodos constructivos. El texto, bellamente ilustrado con grabados decimonónicos, nos invita a resituar la labor arquitectónica del ser humano a la luz de las creaciones del resto de los seres vivos y a repensar la esencia de una de las actividades animales donde se aúnan necesidad e inventiva a la perfección.

Aprende a promocionar tu trabajo es un libro para todas aquellas personas que rehúyen el concepto de autopromoción. Diez sencillas máximas ponen fin al mito del genio solitario y nos enseñan a darnos a conocer con osadía y generosidad. Austin Kleon nos muestra cómo la obra creativa no es un producto sino un proceso en permanente desarrollo que, al compartirse, nos permite construir un público propio y aprender a comunicarnos con él. No tienes que ser un genio, Abre tu gabinete de curiosidades, Enseña lo que sabes pero no te conviertas en spam humano, Aprende a recibir los golpes Con principios tan contundentes como estos, Kleon no sólo nos enseña estrategias para que nos atrevamos a mostrar nuestro trabajo, sino que nos abre un nuevo e increíble escenario el de la comunicación para que reflexionemos desde otra perspectiva sobre nuestra propia obra.

Este libro selecciona 31 de los arquitectos contemporáneos más relevantes de la esfera internacional que utilizan este material tradicional de modos novedosos e inspiradores. En estas páginas tiene cabida un amplio espectro de proyectos que abarcan desde casas y cabañas hasta escuelas y capillas, todos ellos potenciados por el uso de la madera tanto en entornos arquitectónicos como decorativos. Diversos arquitectos y despachos de arquitecturas, entre ellos los portugueses Tiago do Vale y Plano Humano Archuitects, el noruego Lund Hagem, los alemanes Landau + Kindelbacher o los fineses Lukkaroinen Architects, muestran su trabajo en esta inspiradora recopilación.

La arquitectura del paisaje tiene un papel fundamental a la hora de garantizar la sostenibilidad medioambiental de las intervenciones de diseño. Este libro presenta una visión general de distintas estrategias y proyectos realizados para comprender los retos que han de afrontar hoy los diseñadores en lo que respecta a la sostenibilidad. Mediante el estudio de casos concretos de todo el mundo y entrevistas con destacados arquitectos del paisaje, el libro invita al debate sobre posibles situaciones futuras, teorías relevantes y el modo en que distintos proyectos abordan el diseño medioambiental del paisaje.

Ensayos para mundos alternativos Arquitectura y política afronta una cuestión clave de la arquitectura contemporánea: su responsabilidad respecto a la sociedad. Para ello realiza un recorrido histórico y temático sobre el papel social de los arquitectos y los urbanistas hasta la actual era de la globalización. A partir de cuestiones como la vida comunitaria, la participación, la igualdad de género o la sostenibilidad, el libro identifica y analiza tanto las vulnerabilidades contemporáneas de la arquitectura como aquellas alternativas que ya se han experimentado, de ahí su subtítulo Ensayos para mundos alternativos.

Escrita por un equipo internacional de arquitectos y de historiadores de la arquitectura, esta obra es un viaje por todas las épocas y todos los continentes, y abarca desde el Neolítico hasta los movimientos ecológicos actuales; además, analiza cientos de edificios, sus arquitectos y su significado contextual. Incluye información de las pirámides egipcias, las tumbas del renacimiento sumerio, la ciudad perdida de Machu Picchu, las pagodas chinas, los templos japoneses, las mezquitas islámicas y muchas construcciones más. Abarca, asimismo, estilos clásicos occidentales como el románico, el gótico, el renacentista y el barroco, o el colonial, el regencia, el Beaux Arts, el Art Déco, el movimiento moderno y la utopía, entre otros.

A partir de fascinantes imágenes, este libro demuestra con brillantez que, desde hace un tiempo, el renacimiento de las arquitecturas de tierra ha dejado de ser un anhelo para convertirse en una realidad ecológica palpable. Una visión transhistórica desde la antigüedad hasta nuestros días, en la que se desvela un gran número de viviendas, edificios y ciudades asombrosas erigidos con la misma materia del suelo en el que están anclados. La tierra cruda es el más humilde, el más ecológico y también el más difundido de los materiales de construcción: es un tesoro al alcance de la mano disponible bajo nuestros pies. Numerosas civilizaciones y culturas del mundo entero han utilizado este material natural y abundante para edificar sus días. Desde una casa hasta un edificio público, resulta accesible a todas las clases sociales. La construcción con tierra es una forma poco conocida de democratización de la vivienda.

Desde la imponente Sagrada Família hasta la brillante fachada rica en texturas de la Casa Batlló, pasando por el maravilloso paisaje del Park Güell, es fácil entender por qué Antoni Gaudí (1852-1926) se ganó el epíteto de «el arquitecto de Dios». Con formas fluidas y una precisión matemática, su obra ensalza el milagro de la creación natural: las columnas se elevan como troncos de árboles, los marcos de las ventanas se curvan como las ramas en flor y las baldosas de cerámica brillan como la piel escamosa de los reptiles. Con esta extraordinaria atención a los detalles naturales, su inspiración en la estética neogótica y orientalista, y el compromiso de toda una vida con la identidad catalana, Gaudí creó una vertiente única del movimiento modernista que definió el paisaje urbano de Barcelona. Este libro da a conocer la visión extraordinaria y el legado único de Gaudí, ya que analiza las influencias y los detalles que hacen posible que sus construcciones impresionen, inspiren y sorprendan un siglo después de su construcción. No en vano siete de sus proyectos están declarados Patrimonio de la Humanidad por la UNESCO.

Editorial: taschen // wright, arquitecto de aspiraciones destacado pionero de la historia de la arquitectura aclamado como «padre de los rascacielos», frank lloyd wright (1867-1959), un icono intrínsecamente estadounidense, fue un arquitecto de aspiraciones. creía que la sociedad norteamericana culta debía tener un equivalente arquitectónico adecuado y aplicó su idealismo a estructuras de todo el continente, desde casas en zonas residenciales hasta iglesias, oficinas, rascacielos y el célebre museo guggenheim. la obra de wright destaca por la armonía que establece con la humanidad y su entorno, una filosofía que denominó arquitectura orgánica y cuyo paradigma fue la casa de la cascada, una casa en la pensilvania rural, citada por el instituto americano de arquitectos como «la mejor obra de todos los tiempos de la arquitectura norteamericana». wright también dejó una huella indeleble por su uso de materiales industriales y por el sencillo plano en l o t de su casa de la pradera, que se convirtió en un modelo para la arquitectura rural estadounidense. además, se involucró con frecuencia en los elementos interiores de sus edificaciones, como el mobiliario y las vidrieras, prestando especial atención al equilibrio entre las necesidades individuales y la actividad comunitaria. mediante el estudio de las aspiraciones de wright para reforzar la sociedad norteamericana a través de la arquitectura. este libro ofrece una breve introducción a su respuesta, romántica y tecnológica al mismo tiempo, a los desafíos prácticos que planteaba la clase media estadounidense.

Editorial: taschen // el diseño de residencias privadas presenta retos y matices muy especiales para el arquitecto. puede que se trabaje a una escala más modesta que en los proyectos públicos, que los ajustes técnicos no sean tan complejos como los de un enclave industrial, pero las preferencias, los requisitos y los gustos individuales se convierten en una prioridad. se trata de la delicada tarea de plasmar todas las asociaciones emocionales y las necesidades prácticas del «hogar» en una realidad bien construida y práctica. esta edición reúne 100 de las casas más interesantes e innovadoras de la última década, proyectadas por una legión de talentos en ciernes y consagrados como john pawson, richard meier, shigeru ban, tadao ando, zaha hadid, herzog & de meuron, daniel libeskind, alvaro siza y peter zumthor. es una muestra de la arquitectura en su nivel más elemental e íntimo que tiene en cuenta las rutinas diarias como comer, dormir y refugiarse, ofreciendo, a su vez, el espacio para las relaciones sociales y las vivencias personales.

Editorial: taschen // recorra el mundo tras uno de los redescubrimientos de la arquitectura moderna: la madera. ¿cómo ha conseguido colarse en termas de lujo y vanguardistas proyectos de remodelación urbanos? en 100 proyectos, de china a chile, exploramos los elementos técnicos, medioambientales y sensoriales que han impulsado esta vuelta a la madera.

Editorial: taschen // esta edición, que incluye proyectos de américa del norte y del sur, europa, asia, áfrica y australia, reúne algunos de los proyectos de interiorismo más excepcionales e inspiradores de la actualidad en su recorrido por seis continentes. esta selección rinde homenaje a una amplia gama de estilos, desde el minimalismo rústico hasta el eclecticismo urbano, unidos por la autenticidad, el cuidado por los detalles y un entusiasmo por la expresión individual que nunca pasará de moda. incluye proyectos de argentina, brasil, china, cuba, dinamarca, francia, alemania, grecia, indonesia, italia, japón, kenia, marruecos, sudáfrica, españa, suecia, turquía, reino unido y ee. uu., entre otros muchos países.

Una hazaña épica Los intrépidos viajes, las batallas sangrientas y los entierros heroicos de las cruzadas francesas Terminado alrededor de 1474, el manuscrito primorosamente ilustrado de Sébastien Mamerot es el único documento contemporáneo que describe varios siglos de las cruzadas francesas, emprendidas por reyes sucesivos para conquistar Tierra Santa. Jean Colombe, el célebre iluminador medieval conocido sobre todo por su trabajo en Très Riches Heures du Duc de Berry, es el autor principal de estas 66 espléndidas miniaturas. Les Passages dOutremer (Las expediciones de ultramar) comprende 277 folios de pergamino, ilustrados por Colombe y los mejores calígrafos de la Edad Media, y actualmente se encuentra en la biblioteca nacional de Francia. Esta nueva edición en tapa dura en nuestro popular formato Klotz incluye la traducción íntegra del manuscrito y está ilustrada con 66 miniaturas a todo color de Jean Colombe, que reproducen con precisión el característico tono dorado medieval y se acompañan de pies de foto descriptivos. Las batallas, los entierros, las coronaciones y las procesiones representados en las ilustraciones cobran vida ante nuestros ojos y crean una imagen poderosa, así como una lectura convincente, de esta campaña secular de fervor religioso y viajes épicos que fueron las cruzadas. Sobre la serie: Bibliotheca Universalis Compañeros culturales en formato compacto para celebrar el universo ecléctico de TASCHEN a un precio popular imbatible. Desde que iniciáramos nuestra labor de arqueólogos culturales en 1980, el nombre de TASCHEN se ha convertido en sinónimo de edición accesible y amplia de miras. Bibliotheca Universalis reúne casi 100 títulos de nuestros clásicos favoritos en un nuevo formato más reducido y a un precio asequible para que pueda componer su propia biblioteca de arte, antropología y erotismo. Un placer para los sentidos del devorador de libros. ¡Imposible aburrirse!

Autor: Philip Jodidio ¿Echa de menos la sencillez de lo rústico? Venga y asómese a Cabañas, una magnífica muestra de viviendas minimalistas, aisladas y de bajo impacto de todo el mundo. Desde un estudio en la costa de Inglaterra que invita a la contemplación a cabañas ecológicas en las Ghats occidentales, en India, cada una de estas viviendas es un modelo de innovación, respeto al medio ambiente y vida sostenible y consciente.

El programa Case Study House (1945-1966) fue un acontecimiento excepcional e innovador en la historia de la arquitectura estadounidense y sigue siendo único hasta la fecha. Se centró en el área de Los Ángeles y supervisó el diseño de 36 prototipos de vivienda, buscaba ofrecer planes para construir residencias modernas que resultaran más económicas y de fácil ejecución durante el boom de la construcción de la posguerra. La principal fuerza inspiradora del programa fue el editor de Arts & Architecture John Entenza, un campeón de la modernidad que tenía los contactos apropiados para atraer a los mayores talentos del gremio, como Richard Neutra, Charles y Ray Eames y Eero Saarinen. Altamente experimental, el programa creó casas que fueron diseñadas para redefinir el hogar moderno, y así ejercieron una fuerte influencia en la arquitectura –estadounidense e internacional– tanto durante la existencia del programa como hoy mismo.

Tendencias La historia más completa de la moda La ropa define a las personas. La indumentaria de una persona, ya sea un sari, un kimono o un traje, es la clave esencial de su cultura, clase, personalidad o incluso religión. Fundado en 1978, el Instituto de la Indumentaria de Kioto (KCI) reconoce la importancia del significado de la ropa desde el punto de vista sociológico, histórico y artístico. Actualmente, el KCI, que contiene una de las colecciones de indumentaria más extensas del planeta, ha acumulado una amplia gama de prendas de vestir, ropa interior, calzado y accesorios históricos que van del siglo XVIII a la actualidad. Moda, que muestra la vasta colección del instituto, supone un viaje fascinante a través de la moda de los tres últimos siglos. Incluye unas fotografías impecables de la ropa expuesta con destreza y organizada en maniquíes hechos a medida. Este libro da fe de que la ropa es «una manifestación esencial de nuestra forma de ser» y de la pasión del instituto por la moda como una compleja e intrincada forma de arte. Entre las autoras del libro se cuentan algunas de las mentes más brillantes y los ojos más aguzados de los estudiosos de la moda: Akiko Fukai (conservadora jefe del Instituto de la Indumentaria de Kioto), Tamami Suoh (conservadora del Instituto de la Indumentaria de Kioto), Miki Iwagami (profesora de historia de la moda en el Sugino Fashion College de Tokio), Reiko Koga (profesora de historia de la moda en la Universidad Femenina de Bunka) y Rie Nii (asistente de conservación del Instituto de la Indumentaria de Kioto).

En la última década ha florecido el campo de la ilustración, con profesionales que trabajan tanto a mano como con ordenador. La vertiente sin duda más atractiva de la ilustración, la que más desafíos plantea, es la del retrato, recurrente en editoriales periodísticos, publicidad, productos y, últimamente, también como protagonista de grandes exposiciones. Este libro reúne los exclusivos y en muchos casos inéditos retratos de más de 80 ilustradores de todo el mundo, gran parte de los cuales han aparecido en nuestra serie de Illustration Now!, entre los que se cuentan Aaron Jasinski, André Carrilho, Hanoch Piven, Anita Kunz, Jody Hewgill y Dugald Stermer. El libro incluye un índice de personas retratadas y una introducción a cargo de Steven Heller, historiador del diseño gráfico.

Editorial: taschen // después del éxito de ventas del manual de logotipos de bibliotheca universalis, este segundo volumen se centra en la identidad corporativa. en un mundo globalizado, cada vez más símbolos transmiten valores como la confianza, la calidad o la fiabilidad. este catálogo analiza en detalle cómo los textos, las imágenes y las ideas se condensan en logotipos reconocibles. desde aerolíneas y supermercados, ropa deportiva y ordenadores, museos y revistas, hasta marcas de coches, sellos discográficos, productos farmacéuticos y portales de internet, este libro ofrece alrededor de 4.500 logotipos comerciales e incluye información sobre los diseñadores, el año de creación, el país, las marcas y las empresas. un gran libro de referencia para cualquier persona interesada en las ideas y conceptos en que se basan las marcas.

Black: Architecture in Monochrome destaca la exquisita elegancia del negro en el mundo de la arquitectura dando a conocer más de 150 construcciones. Desde iglesias antiguas hasta rascacielos contemporáneos, este libro demuestra cómo los arquitectos han amado los tonos del ébano al ónix durante siglos. Sutiles textos combinados con impactantes fotografías dan vida a estos cautivadores edificios, incluyendo obras de Mies van der Rohe, Philip Johnson, David Adjaye, Jean Nouvel, Peter Marino y Steven Holl.

Cómo y por qué se desarrolló la arquitectura, quién introdujo las innovaciones, qué eran y dónde y cuándo tuvieron lugar. Este libro analiza 50 edificios clave de la historia de la arquitectura, explicando las distintas técnicas y materiales que se aplicaron en su construcción: desde las pirámides a las biósferas, pasando por catedrales, templos, torres o edificios de bomberos. El libro está dividido en cuatro áreas fundamentales: estilos, edificios, elementos y materiales. Cada una está organizada cronológicamente, pero se puede leer en cualquier orden. Al pie de cada página, el lector encontrará referencias cruzadas que le proporcionarán conexiones útiles con otras secciones, además de ejemplos característicos e información sobre los arquitectos.

Practicar la caligrafía es un ejercicio que ayuda a centrar y a equilibrar la mente y el cuerpo. Esta guía paso a paso no es solo un libro relajante, sus ejercicios progresivos te ayudarán a adentrarte en el camino del control de tu atención a través de la belleza caligráfica. Al realizarlos, aprenderás a concentrarte y a trazar letras partiendo de los movimientos y las formas más simples y abstractas, hasta llegar a palabras y reflexiones profundas y evocadoras.

El proyecto y las medidas en la construcción Ludwig Neff y Peter Neufert establecen los parámetros básicos a tener en cuenta en el proyecto de viviendas y jardines, todo ello de una forma fundamentalmente gráfica que, en esta segunda edición revisada y ampliada, cuenta con 3.184 ilustraciones y 123 tablas. Se trata de un manual complementario al Arte de proyectar en arquitectura, destinado a compartir con este título indispensable un mismo lugar en el despacho del arquitecto. El planteamiento y la estructura de los dos manuales es el mismo: condensar en fichas esquemáticas, claramente ordenadas y de fácil consulta, una información precisa acerca de las tipologías, soluciones técnicas, medidas y otros aspectos de la arquitectura. Es importante recalcar que los dos manuales son complementarios e independientes, y constituyen un marco de referencia que el profesional puede consultar en cualquier momento del proceso de proyecto.

Detalles para diseñadores de interiores. En el mundo del diseño interior la información o bien se difunde a través de ediciones muy ilustradas y decorativas que sirven de inspiración pero carecen de información práctica, o mediante manuales técnicos que, por el contrario, ofrecen gran cantidad de datos técnicos pero dejan a un lado los aspectos estéticos del proyecto. Color, espacio y estilo sintetiza estos dos enfoques y proporciona la información y las ideas esenciales para la redacción de proyectos de interiores de todas las escalas y su posterior ejecución. Abarca desde la gestión de los proyectos y las técnicas de dibujo hasta la organización de los espacios, las características del color, los materiales y las texturas, las propiedades de la iluminación natural y artificial, los diferentes sistemas constructivos y los principios generales de sostenibilidad. Cada una de las partes del libro se cierra con entrevistas a diferentes diseñadores de interiores de renombre que ilustran la aplicación creativa de estos temas en la práctica profesional.

Ya sea para honrar a los dioses o a los muertos, destacar el prestigio, celebrar un nacimiento, una unión, seducir, dibujar, pintar o escribir, el color siempre acude a la cita. Para conseguir los tonos con los que soñaban, los hombres han sabido descubrir pigmentos y tintes a menudo escondidos en vegetales, minerales, moluscos, hongos o insectos; y han llegado a imaginar técnicas complicadas o peligrosas para acceder a rojos intensos, amarillos luminosos, o a los más bellos azules. Este libro cuenta la historia de los colores, desde el descubrimiento de los pigmentos y tintes hasta su modo de aplicación, pero también las costumbres y los gestos que, desde los papúes a los inuit, de la China de Confucio a la Europa medieval, acompañan a esos materiales en rituales y ceremonias. Los múltiples caminos trazados por los hombres y las mujeres en su búsqueda del color ofrecen numerosas sorpresas y, a menudo, nos dejan maravillados.

Una guía ilustrada Con demasiada frecuencia existe una diferencia sustancial entre la eficiencia energética prevista en el proyecto y la que efectivamente resulta en el edificio ya construido. Es la llamada “brecha de eficiencia energética”, un problema que no solo se salda con facturas energéticas más altas para los usuarios, sino que, también a nivel global, repercute negativamente en el cambio climático y las emisiones de carbono. Este libro es una guía ilustrada para diseñar y construir viviendas realmente eficientes que superen esta brecha y ofrezcan un consumo energético verdaderamente reducido, un buen confort térmico y una excelente calidad del aire interior. Cada capítulo se centra en un sistema constructivo específico para describir los problemas frecuentes y las buenas prácticas, y ofrece sencillas fichas ilustradas de los detalles constructivos más relevantes en términos de eficiencia energética. Ventanas, marcos, forjados, paredes, cubiertas y otros elementos clave son explicados con ilustraciones de los detalles constructivos (compatibles además con el estándar Passivhaus), diagramas de flujo de calor y valor de psi, así como fotografías comentadas del proceso de construcción. El resultado es una guía práctica y directa destinada a convertirse en libro de consulta imprescindible entre arquitectos, arquitectos técnicos, constructores y demás profesionales del mundo de la construcción.

Tras el éxito de CROQUIS, Steve Bowkett nos vuelve a obsequiar con hermosos dibujos de arquitectura y, de nuevo anima a los arquitectos de todas las edades, a imaginar y plasmar nuestras propias soluciones urbanas creativas, que van de lo más lúdico a lo más académico.

En 1994, la prestigiosa revista japonesa de arquitectura a+u dedicó un número especial a la percepción en arquitectura en el que participaron Alberto Pérez-Gómez, Juhani Pallasmaa y Steven Holl. Este libro recoge la aportación que Holl hizo para el celebrado monográfico, donde se desmarcaba radicalmente del encendido debate abierto a raíz de la introducción de los nuevos medios digitales en los estudios de arquitectura, situando el foco de atención en el papel crucial que la percepción, la experiencia fenoménica y la intuición desempeñan en la experiencia y en la formación perceptiva del espacio construido. Junto al análisis de unas zonas fenoménicas, que se corresponderían con los diferentes hechos perceptivos, Holl relata su experiencia directa con la arquitectura a través de numerosos ejemplos biográficos, exponiendo los matices perceptivos que justifican la concepción fenomenológica de la arquitectura.

Un libro para buscadores de ideas, un mapa de ese tesoro que es la inspiración y que le ayudará a descubrir las ideas más brillantes. Cada sección ofrece una estrategia, un método o un enfoque diferentes que favorecen la generación de ideas, el pensamiento creativo y la resolución de problemas. Asimismo, se explica cómo han nacido grandes ideas, y los proyectos prácticos le ayudarán a explorar más a fondo cada una de las distintas estrategias. No dude en utilizar este libro como manual práctico para estimular la creatividad. En él encontrará un gran número de métodos diferentes destinados a poner la mente a trabajar y a hallar y desarrollar nuevas ideas. en él encontrará un gran número de métodos diferentes destinados a poner la mente a trabajar y a hallar y desarrollar nuevas ideas.

La arquitectura pasiva en climas cálidos Si bien el concepto de “casa pasiva” remonta sus orígenes a la década de 1970, no fue hasta la creación de Passivhaus (el estándar de origen alemán de optimización energética para la construcción de viviendas) cuando esta práctica de arquitectura sostenible llegó a su edad adulta. Desde que se construyera el primer edificio Passivhaus en Alemania a principios de la década de 1990, el protocolo Passivhaus se ha aplicado con éxito en edificios ubicados por todo el mundo, desde la fría ciudad de Oslo hasta la tropical Shanghái. Este libro expone el concepto de arquitectura pasiva, explica el estándar Passivhaus y explora su aplicación en el marco de los territorios de climas cálidos. Con un enfoque práctico y directo, el autor presenta los conceptos básicos de esta normalización constructiva, las tecnologías actuales con las que trabaja y las pautas fundamentales para su aplicación en países de climas templados y cálidos. El libro se estructura en tres capítulos: la arquitectura pasiva, el estándar Passivhaus y un tercer bloque donde se aplica la herramienta PHPP a edificios de referencia de ciudades de climas cálidos y tropicales como Madrid, Lisboa, Ciudad de México o Río de Janeiro. Además, se presentan diversos ejemplos de edificios Passivhaus que demuestran la viabilidad del estándar en estas zona

Las plantas no solo aportan belleza a los interiores de los hogares. La presencia de plantas en una casa tiene beneficios que con frecuencia pasan desapercibidos. Llenan de dimensión y vida las estancias. Refuerzan el vínculo con la naturaleza y reflejan nuestro amor por el mundo botánico. Contrarrestan los efectos negativos de la vida urbana mejorando la calidad del aire, amortiguando el ruido y regulando tanto la temperatura como los niveles de humedad. Y también parecen tener efectos positivos en el humor y la salud de las personas, como la reducción del estrés, el aumento del nivel de bienestar y el fomento de la creatividad y la productividad. Las plantas aportan luz y vitalidad a nuestros hogares y, simultáneamente, crean entornos que respiran paz y tranquilidad. Con proyectos de interiorismo de viviendas que incorporan plantas, terrarios, estructuras arquitectónicas y diseños extraordinarios, este volumen demuestra que hemos forjado una estrategia magistral para convivir con la naturaleza.

Tal como ocurre en la política global, también la historia de la arquitectura ha tendido a considerar a los refugiados como meros excedentes humanos. De ahí que, por lo general, las historias de la arquitectura se hayan limitado a reproducir la exclusiva de los refugiados por parte del Estado-nación como personas fuera de lugar. Este libro examina algunas de las intersecciones que a menudo se han ignorado, pero que resultan decisivas, entre el desplazamiento masivo de la población y la arquitectura en un recorrido por los siglos XIX y XX hasta llegar al presente.

El dibujo es una herramienta cognitiva y creativa fundamental a la hora de abordar el proyecto arquitectónico. Bajo esta premisa Francis D. K. Ching nos ofrece en este libro una guía de referencia con la que aprender a utilizar el dibujo como técnica para pensar el proyecto. Organizado en tres grandes bloques que pasan de lo más descriptivo a lo especulativo —dibujo por observación, sistemas convencionales de representación gráfica y dibujo imaginativo—, el libro explica paso a paso la gran multiplicidad de conceptos y técnicas que entran en juego en el dibujo arquitectónico: desde los principios básicos de la expresión gráfica (la línea, la forma, la sombra o el espacio), hasta los sistemas de representación más frecuentes (el sistema diédrico, la axonometría y la perspectiva cónica) o los innumerables conceptos y herramientas existentes (tales como el rayado, la orientación, la escala, la estratificación o la diagramación). Además de los 1.500 dibujos ilustrados a mano y los cerca de 140 ejercicios que incluye el libro, esta nueva edición ampliada incorpora técnicas de dibujo por ordenador e incluye un CD con tutoriales. El estudiante de arquitectura y el arquitecto encontrarán en estas páginas una ayuda práctica y didáctica no solo para representar los proyectos, sino también para pensar espacialmente.

Publicado originariamente en inglés, la versión en español es el resultado de un laborioso proceso de adaptación y ampliación para ajustar el contenido al público hispanoparlante, de modo que el número de términos e ilustraciones ha aumentado considerablemente respecto a la versión original. El libro cuenta además con un apéndice de láminas que incluye dibujos detallados de los elementos arquitectónicos más importantes, un glosario inglés-español y una bibliografía complementaria. Se trata de un compendio breve y directo de la terminología fundamental que deben conocer tanto los estudiantes como los profesionales de la arquitectura, la construcción y la historia del arte, así como cualquier persona interesada en la materia.

Metodología para idear y co-crear en equipo. Trabajar en equipo es algo enormemente gratificante, pero también enormemente complejo. Tras muchos años de experiencia en la facilitación de procesos de creación en grupo, el autor ha sintetizado en este libro una eficaz metodología que sirve de guía para evitar los habituales puntos ciegos, errores, desequilibrios y amenazas que pueden obstruir el proceso y bloquear al equipo. ¿Qué debemos saber para co-crear con eficacia y disfrute? ¿Qué patrones o fases de ideación en equipo se dan en un proyecto? ¿Cómo evitar problemas habituales como las actitudes muy críticas, el recelo hacia las nuevas ideas, el conformismo o la falta de motivación del equipo? Con la metodología propuesta en este libro conocerás: los cinco patrones o fases de trabajo de todo proyecto creativo (reunión, bases, activación, exploración y filtrado), su papel clave dentro del proceso, y las necesidades, normas y objetivos que cada uno de ellos presenta; las tipologias de sesiones creativas más habituales (como el sprint de diseño, el hackaton o la sesión de innovación), sus características específicas y el papel particular que cada patrón o fase de trabajo desempeña en ellas; los problemas habituales de la ideación en equipo y cómo resolverlos.

Esta sexta edición revisada incluye consejos específicos sobre cómo adaptar diseños a diferentes proyectos, técnicas de imágenes digitales, gráficos en movimiento, diseños para web y aplicaciones para pantallas pequeñas. La formación en diseño es una experiencia de por vida que puede aportar grandes satisfacciones personales. Las tecnologías, los estilos y las exigencias cambian con rapidez en esta industria. Así, el diseño gráfico constituye un campo a abordar con independencia y expectativas de tener que formarse y mantener un compromiso durante toda la vida. Con este libro como puerta de entrada, una nueva manera de ver el mundo podría orientarle hacia una carrera que supondrá una fuente constante de sorpresas y disfrute.

Desafíos visuales, rompecabezas y hasta 32 juegos y actividades para introducirte de forma lúdica e interactiva en el mundo del diseño gráfico. Descubre cómo funcionan la tipografía, los carteles, la señalética y la identidad visual con originales y divertidos pasatiempos. ¡Incluye pegatinas, plantillas troqueladas y papeles de colores! Este divertido cuaderno de actividades incluye: 32 EJERCICIOS divididos en cuatro capítulos: tipografía, carteles, señalética, identidad RESÚMENES de cada capítulo con las soluciones de los ejercicios e información adicional sobre los conceptos gráficos trabajados. UN GLOSARIO con las definiciones de todos los conceptos destacados con un *. ILUSTRACIONES de reconocidos diseñadores como Otl Aicher, Pierre Di Sciullo, Otto Neurath y Gerd Arntz. UN EXTRAÍBLE con pegatinas, plantillas y papeles de colores.

Todos los objetos creados por el hombre desde el inicio de la civilización han sido diseñados. Una olla moldeada y cocida hace miles de años bajo el sol de Mesopotamia es fruto del diseño tanto como un vehículo conceptual o un iPhone. No obstante, el diseño entendido como práctica especializada, distinta del proceso de fabricación, del arte y de la artesanía, presenta una historia mucho más breve, que data de los inicios de la revolución industrial. Este libro analiza los desarrollos, movimientos y figuras clave del diseño mundial, desde los inicios de la producción industrial hasta la actualidad. La obra está organizada de forma cronológica y explora en profundidad los objetos clave y los diseños más célebres, situando el diseño dentro de su contexto tecnológico, cultural, económico, estético y teórico. Desde los moralistas del siglo xix hasta los pensadores radicales del movimiento moderno, pasando por la emergencia de artistas como Raymond Loewy, en la década de 1930, o los genios actuales, como Philippe Starck, este volumen analiza aspectos básicos del diseño y la forma en que afectan a nuestras vidas.

Y otros 49 superpoderes para convertirse en un héroe creativo En el día a día del creativo hay proyectos que se encallan, bloqueos mentales difíciles de desactivar, buenas ideas que no acaban de cuajar… Son situaciones de estancamiento que requieren técnicas y recursos para lograr salir airoso de ellas. Y esto es precisamente lo que recoge este libro: 50 superpoderes creativos para hacer de cada crisis una oportunidad de replanteamiento ingenioso e innovador. A través de deliciosos relatos breves provenientes de mitos e historias reales de todos los tiempos, Dominik Imseng pone a nuestro alcance algunas estrategias que nos permitirán aprender a identificar nuestras propias carencias para convertirlas en auténticos superpoderes. ¿Estás preparado para gritar “¡Ya lo tengo!”?

El color es pigmento e ilusión visual, materia y cognición. Este libro presenta una serie de experimentos y ejercicios para explorar las posibilidades del color a partir de esta doble naturaleza. Con su habitual estilo ameno e instructivo, Peter Boerboom y Tim Proetel comparten un sinfín de técnicas, recursos y efectos gráficos como la transparencia, las veladuras, las gotas o el ritmo para que principiantes y profesionales descubran el potencial expresivo de la materialidad del color y sus efectos en nuestra percepción visual. Un compendio práctico que rápidamente se convertirá en el aliado indispensable para la experimentación visual. Peter Boerboom y Tim Proetel , formados en arte en la Akademie der Bildenden Ku?nste de Múnich, se dedican a la creación plástica desde múltiples vertientes, entre otras el arte, la fotografía y la didáctica.

El buen diseño, como el buen storytelling, da vida a las ideas. Pero ¿conocemos bien los profesionales del diseño los mecanismos narrativos que hacen que nuestros diseños estén vivos? ¿Es posible que ya estemos utilizando algunos de ellos sin saberlo? ¿Qué otras técnicas pueden proporcionarnos las herramientas del storytelling para que el resultado de nuestro trabajo apunte directamente al corazón de sus usuarios? Este libro es, precisamente, una guía de recursos y estrategias para aprender a aplicar las técnicas propias de la narración en la creación de gráficos, productos, servicios y experiencias.

Consolidarse como freelance en las industrias creativas requiere conocimientos que van más allá de lo estrictamente artístico: vender tu trabajo y tener ingresos, encontrar clientes, gestionar y entregar un encargo de manera ejemplar, elegir el espacio de trabajo… Todas estas cuestiones forman parte del día a día del profesional freelance y Martina Flor las recoge en esta guía práctica compartiendo las claves y los recursos que la han ayudado a lidiar con ellas. Con habilidosa puntería, la diseñadora argentina logra entrar en tu cabeza y responder a aquellas preguntas, situaciones y necesidades que te han surgido o te surgirán a lo largo de tu trayectoria como freelance. Gracias a ella descubrirás que tu trabajo y tus ingresos no solo consisten en realizar encargos: también puedes dar conferencias, impartir workshops o vender tu propia línea de productos. O que para dirigir tu trayectoria profesional y cuidar tu vida personal a veces hay que saber rechazar propuestas. En definitiva, una auténtica mina de oro que nunca dejarás de consultar.

• Los 50 logotipos de este libro son ejemplos de buenas ideas al servicio de la representación, la reputación y la identificación. • Flechas, florituras, rayos o llamas, globos, rayos de sol y líneas paralelas, verticales y horizontales: los logotipos constituyen el recurso de diseño gráfico más omnipresente y esencial. • Representan ideas, creencias y, por supuesto, cosas. Principalmente identifican productos, empresas e instituciones, pero también se asocian (esperemos que de un modo positivo) con los valores o la filosofía de esas entidades. Un logo, que también se conoce como marca, señal, sello o emblema, se produce y se aplica a diversas manifestaciones físicas (incluyendo banderas, pancartas o escudos), y aparece impreso, grabado o inscrito en todas las superficies con cualquier configuración y en diversos materiales en dos o tres dimensiones. Los logos son recipientes: no son buenos o malos, sagrados o profanos por naturaleza, sino representaciones simbólicas de lo que caracterizan. Pueden ser abstractos o figurativos, pero los logos representan una intención específica. En este sentido, los logos deben tener un fin o un objetivo definido: tienen que rebosar poder. La función de los logos consiste en llamar la atención, fomentar el reconocimiento y, si tienen éxito, provocar lealtad. Un logo sin carácter no es nada; debe ser ilustrativo, activo y enérgico.

De Azzedine Alaïa, Cristóbal Balenciaga y Coco Chanel a Alexander McQueen, Yves Saint Laurent y Vivienne Westwood; esta nueva edición de Fashion Designers A-Z rinde homenaje a los modistos más destacados de los siglos XX y XXI incluidos en la colección permanente del Museum at Fashion Institute of Technology de Nueva York. 15 nuevas firmas se unen a las filas de los diseñadores más destacados de la industria entre los que destacan Phoebe Philo, Patrick Kelly y Sonia Rykiel en este volumen actualizado y ampliado que muestra más de 500 prendas de la colección permanente del Museo. De un vestido de noche de terciopelo exquisitamente bordado al chic minimalista al más puro estilo Mondrian, las piezas no solo se han seleccionado y fotografiado por su belleza sino por su valor simbólico, ya que condensan la filosofía y la estética únicas de cada uno de los diseñadores de este libro. Los textos de los curadores del museo repasan la historia de cada firma y prenda incluida, y los 125 retratos dibujados por el artista Robert Nippoldt rinden homenaje a sus creadores.

Cada año tienen lugar en todo el mundo numerosos festivales dedicados a promocionar música, cine, arte o diseño, con el propósito de entretener, comunicar o transmitir ideas. La clave del éxito de un festival consiste en establecer sólidos vínculos con "s"

Antoni Gaudí fusionó orientalismo, formas naturales y materiales nuevos en una estética modernista única que colocó a Barcelona en el mapa global de la arquitectura. A través de nuevas fotografías, planos y dibujos realizados por el propio Gaudí, así como un extenso apéndice de todas sus obras que incluye mobiliario y proyectos inacabados, este libro de tamaño XL nos muestra el fantástico universo del arquitecto catalán como nunca antes.

En la vida contemporánea todos somos voraces consumidores y emisores de mensajes visuales. Diariamente nos enfrentamos a una gran cantidad de información gráfica, aunque sin un conocimiento básico de los elementos del lenguaje visual es imposible alcanzar un auténtico diálogo que resulte crítico y productivo. Este libro es un pequeño tratado de gramática visual que define de forma sencilla y totalmente gráfica los elementos básicos del lenguaje visual y sus procesos y relaciones. A medio camino entre tratado gramatical y diccionario visual, funciona como una practiquísima herramienta y guía de consulta para descodificar y producir mensajes visuales. El punto de partida idóneo para iniciarse en la alfabetización gráfica.

Cada vez son mas los interioristas que se inspiran en la filosofía del diseño nórdico basado en muebles y objetos atractivos, prácticos, asequibles y funcionales. Esta práctica guía muestra cómo decorar a medida su hogar inspirándose en el diseño escandinavo. Presentando espacio por espacio, destaca las piezas clásicas de mobiliario y los accesorios más distintivos.

Editorial: blume // autor: will pryce una obra que reúne muestras procedentes desde el lejano oriente hasta europa occidental, incluyendo estados unidos. se dedica una extensa investigación a la explicación de los aspectos técnicos y al trasfondo cultural de los edificios de madera. un estimulante viaje visual a través de las fotografías del autor tomadas por todo el mundo buscando lo más famoso y lo ignoto.

Este es un libro en el que se cuentan historias. Cincuenta historias breves, todas ellas reales, que narran el nacimiento de algunas de las marcas que hoy se han convertido en grandes iconos gráficos de nuestro universo visual. Historias atravesadas por el empeño empresarial, el azar inesperado, las anécdotas familiares, las reacciones populares y, cómo no, el oficio y la mano infalible de artistas y diseñadores gráficos. Los autores ahondan en el proceso de creación de marcas emblemáticas como Anís del Mono, Apple, Nike o Chupa Chups, en un compendio de casos prácticos en los que queda patente la tensión entre técnica, factor humano y contexto sociocultural que se esconde detrás del surgimiento de gran parte de los nombres propios de nuestro imaginario visual. Cincuenta crónicas imprescindibles para entender las claves visuales de nuestro tiempo.

Editorial: taschen // imagine un mundo donde ver a un hombre con vestido resultara tan natural como ver a una mujer con pantalones, donde ver a una mujer desnuda en público no se considerara sexy, sino tan repulsivo como ver a un hombre exhibicionista, un mundo donde ambos sexos tuvieran las mismas posibilidades de medrar en el entorno laboral y alcanzar el éxito profesional. en este nuevo volumen perteneciente a una nueva serie de taschen, la célebre diseñadora yang liu aborda uno de los temas más candentes y a la par más antiguos que existen: la diferencia de sexos. basándose en las vivencias, los desafíos y las perspectivas de hombres y mujeres a quienes ha conocido a lo largo de su vida, yang liu condensa la ingente y turbulenta cuestión del género en atrevidos pictogramas binarios. los diseños de yang liu describen toda una amalgama de situaciones, desde el dormitorio hasta la sala de juntas, y son tan sencillos y accesibles en su presentación como infinitos en las asociaciones, evocaciones y respuestas que revelan. este fresco planteamiento de los papeles y las relaciones entre hombres y mujeres, en el cual se combinan estereotipos de antaño con discrepancias tópicas, constituye, por encima de todo, un esfuerzo por sintetizar un tema especialmente peliagudo de una forma gráfica divertida y refrescante para, con ello, aligerar e iluminar nuestro entendimiento y tolerancia mutuos.

Descubre la mejor cosecha de casas nuevas del mundo. Este confiable resumen global presenta talentos tales como Shigeru Ban, MVRDV y Marcio Kogan, junto con los prometedores como Xu Fu-Min, Vo Trong Nghia, Desai Chia y Shunri Nishizawa. Organizado por el arquitecto y lleno de fotografías y planos nítidos, el resultado es una amplia exploración de la casa contemporánea.

Tener grandes ideas y sobrevivir en el negocio de la creatividad Con 233 (para ser exactos) pistas, trucos y consejos, Intente algo más atrevido explica a los creativos cómo tener grandes ideas (todos los días). Una guía de supervivencia para creativos. Desarrolle su confianza creativa, busque su propia voz, comparta las ideas geniales, defienda su material, escuche con atención, aprenda a presentar...

De los animales a la robotización, del cambio climático a la migración, Rem Koolhaas presenta un nuevo proyecto colaborativo que analiza cómo el campo se está transformando en todas partes hasta hacerse irreconocible. Este libro de bolsillo, catálogo oficial de la muy esperada exposición en el Guggenheim de Nueva York, reúne ensayos en profundidad que abarcan de Fukushima a Holanda y de Siberia a Uganda: un estudio fundamental de este reino tan ignorado que revela su enorme potencial para cambiar radicalmente nuestra forma de vida.

En lo referente a revoluciones radicales en la democratización del conocimiento, la Biblia de Gutenberg se puede comparar con Internet. Fue la primera publicación occidental importante que se imprimió utilizando tipos móviles de metal, una extraordinaria hazaña tecnológica y artística que anunciaba la era del libro impreso. Ésta es una meticulosa reimpresión de la edición conservada en la Biblioteca de Göttingen, una de las poquísimas copias completas originales en latín sobre papel vitela (pergamino) que se conservan en el mundo, incluida en el Registro de la Memoria del Mundo de la Unesco.

Sabiduría existencial y corporal en la arquitectura. La mano que piensa analiza la esencia de la mano y su papel crucial en la evolución de las destrezas, la inteligencia y las capacidades conceptuales del hombre. La mano no es solo un ejecutor fiel y pasivo de las intenciones del cerebro, sino que tiene intencionalidad y habilidades propias. Su autor, Juhani Pallasmaa, hace hincapié en los procesos relativamente autónomos e inconscientes del pensamiento y el obrar en la escritura, la artesanía o en la producción de arte y arquitectura. Organizado en ocho capítulos, este estudio explora el entendimiento silencioso que yace oculto en la parte existencial de la condición humana y sus modos de ser y experimentar específicos. En último término, su objetivo es ayudar a sacudir los cimientos del paradigma de conocimiento conceptual, intelectual y verbal, hegemónico en la esfera de la arquitectura, en aras de otro conocimiento: el tácito y no conceptual de nuestros procesos corporales.

¿Crees que dibujar perspectivas es difícil? ¿Te parece que captar la profundidad del espacio, calcular las proporciones o incluso jugar con ellas es solo para expertos? ¡Estás totalmente equivocado! Tienes en tus manos el manual 100% práctico destinado a dibujar in situ perspectivas técnicamente perfectas. Sin esquemas complicados ni teorías rebuscadas, estas páginas te enseñarán un sinfín de trucos y consejos para encontrar la línea de horizonte y las aristas que estructuran los dibujos, definir los puntos de fuga, medir las inclinaciones o realizar los trazos ordenadamente. ¡La guía más clara y sencilla para descubrir algunos de los secretos mejor guardados de los urban sketchers!

En la segunda mitad del siglo XX aparecieron una serie de trabajos que trataban de establecer los principios de una teoría de la composición gráfica a partir de los estudios científicos sobre la percepción visual, y es en ese contexto donde se enmarca esta obra clásica de Donis A. Dondis, una de las propuestas sobre gramática visual pioneras y fundamentales de esta corriente. La sintaxis de la imagen es una aproximación al tema amena y rigurosa que explora aquellos principios y reglas del lenguaje de las imágenes que inciden directamente en la semántica, la retórica y la comunicación visuales. La propuesta teórica de Dondis se acompaña de múltiples ejemplos y referencias que abarcan desde la pintura y la escultura hasta la arquitectura, la publicidad, el cine o la televisión.

Desarrolle su propio lenguaje visual y amplíe su talento creativo con estos proyectos exclusivos del Diploma en Arte y Diseño del prestigioso Central Saint Martins Foundation, que inspirarán sus experimentos y liberarán su potencial en diversos ámbitos: diseño de comunicación, moda y textiles, bellas artes y diseño tridimensional. Sea cual sea la disciplina que decida desarrollar, este libro le ayudará a descubrir quién quiere ser y le situará en el camino para conseguirlo.

Escritos de Olafur Eliasson Leer es respirar, es devenir es la primera publicación que recoge los textos de Olafur Eliasson escritos hasta la fecha. A través de veinticuatro ensayos breves y de las evocativas imágenes de algunas de sus obras, el artista danés de origen islandés presenta los temas más recurrentes de su trayectoria artística y nos invita a reflexionar sobre su complejo universo estético y perceptivo: desde el papel que desempeñamos como observadores en un museo o nuestras reacciones frente al color y la luz, hasta los diferentes tipos de movimiento o la percepción del paisaje en el tiempo. Al igual que en su obra artística, en este libro —con prefacio del propio Eliasson— el artista nos anima a formar parte de sus reflexiones abiertas, a recorrer los diversos temas planteados y, sobre todo, a que tomemos partido como lectores y vayamos más allá de la propia obra.

¡La rotulación manual ha vuelto! Cuando parecía que el mundo digital estaba acabando con la gráfica artesanal, el lettering ha reaparecido en escena con toda su fuerza. Este libro no solo es un curso básico de caligrafía creativa y rotulación artística sino también un cuaderno de ejercicios que te permitirá lanzarte de una vez por todas al arte de la letra manuscrita, una hermosa manera de dibujar palabras que te permitirá crear con el alfabeto cautivadoras y personales obras de arte. ¡Por fin a tu alcance todos los saberes técnicos y prácticos de un arte centenario!

Descubra la esencia del arte moderno en el diseño gráfico a través de esta gran colección de seis mil logotipos creados entre 1940 y 1980. Desde medios de comunicación hasta grandes cadenas comerciales, pasando por aerolíneas y galerías de arte, imágenes de marca cuyos conceptos visuales claros y sencillos pueden considerarse el origen visual de la identidad corporativa.

Dibujar letras: desde el boceto al arte final. El lettering, una de las especialidades de gráfica aplicada de más larga trayectoria, vive una segunda época dorada. La singularidad de cada obra y su factura artesanal han actuado como contrapunto del mundo digital y están devolviendo a este arte centenario el lugar que se merece en la práctica del diseño. Este manual básico recupera los principios y técnicas del dibujo artesanal de letras para darlos a conocer entre los estudiantes y profesionales de hoy en día y cualquier aficionado a la belleza de este arte. Desde qué es el lettering y en qué se diferencia de la tipografía y la caligrafía, pasando por los principios de composición y los recursos ornamentales más recurrentes hasta los estilos artísticos o el proceso de diseño, este libro revela los secretos necesarios para sumergirse con rigor en la técnica y la práctica del dibujo de letras hechas a mano. Con este libro aprenderás a: > Educar tu mirada para reconocer el arte que hay detrás del lettering callejero > Emplear la terminología específica de la profesión > Utilizar las herramientas básicas como la plumilla y el rotulador > Reconocer los estilos tipográficos y aplicarlos adecuadamente > Trabajar correctamente con la estructura, la jerarquía y la distorsión > Aplicar los ornamentos y florituras básicos > Jugar con el color y las texturas > Digitalizar tus obras y tratarlas con un programa de dibujo vectorial > Vivir del lettering como profesión

La arquitectura y los sentidos. Publicado originariamente en inglés en 1996, Los ojos de la piel se ha convertido en un clásico de la teoría de la arquitectura. El ensayo nace de la preocupación de Juhani Pallasmaa por el creciente predominio del sentido de la vista en la reflexión en torno a la arquitectura, un fenómeno que ha silenciado el papel de las otras cualidades sensoriales y ha empobrecido nuestra concepción y experiencia del espacio construido. Además del prólogo del arquitecto Steven Holl, esta segunda edición en castellano incorpora un epílogo de Peter MacKeith acerca de la figura de Pallasmaa. A medio camino entre retrato biográfico e introducción teórica al pensamiento del arquitecto finlandés, MacKeith contextualiza la trayectoria crítica del autor en el marco del pensamiento nórdico y europeo, y resalta la profunda sensibilidad y conocimiento de su aproximación a la arquitectura.

Publicado originariamente en francés en 2004, Manifiesto del Tercer paisaje se ha convertido en uno de los textos clave para entender el paisajismo contemporáneo. Gilles Clément vuelca en él un programa para el Tercer paisaje, aquel que aparece en las cunetas de las carreteras, en los lugares residuales de las ciudades, en los espacios de transición entre la ciudad y el campo que no han sido controlados por la acción deliberada del hombre. Es en esos lugares donde aflora un sistema biológico verdaderamente libre. Tras el éxito de la primera edición en español, esta segunda edición ampliada incorpora una serie de ejemplos de la evolución y puesta en práctica del Tercer paisaje.

El Manual de dibujo arquitectónico es el libro que dio fama internacional a Francis D. K. Ching y sus conocidos métodos de dibujo. Esta nueva edición, la quinta desde que se publicara por primera vez en español en 1976, amplía y complementa la edición anterior incorporando nuevas ilustraciones y nuevos contenidos que hacen referencia al dibujo con herramientas digitales. Se mantiene, sin embargo, el magnífico planteamiento del original que catapultó a la fama a Ching y convirtió este libro en el manual de dibujo arquitectónico por excelencia. Organizado en diez capítulos, el libro expone las herramientas, directrices y técnicas tradicionales de la expresión gráfica en arquitectura, así como las claves de la representación visual mediante recursos digitales. El estudiante de arquitectura y de diseño encontrará en estas páginas desde los procedimientos básicos para dibujar plantas, secciones y alzados, o los sistemas de representación más frecuentes (el diédrico, la axonometría y la perspectiva), hasta los métodos y convenciones para representar materiales o texturas de suelo, dibujar sombras y valores tonales, o incorporar elementos contextuales como figuras humanas, coches, árboles o mobiliario. En definitiva, un clásico del dibujo técnico arquitectónico que recoge de forma sistemática las técnicas y convenciones que todo arquitecto debe conocer para representar gráficamente ideas y soluciones

Las estructuras son un elemento esencial del proceso de construcción y constituyen, sin embargo, uno de los conceptos más difíciles de aprehender por parte de los arquitectos. Aunque a menudo los ingenieros son los responsables del cálculo estructural de un edificio, los arquitectos deben tener los conocimientos adecuados y suficientes sobre teoría y análisis estructural para proyectarlo. Bajo el sello inconfundible del maestro del dibujo arquitectónico Francis D. K. Ching, este manual ilustrado propone un nuevo enfoque del diseño estructural que pone de relieve la relación de los sistemas estructurales de un edificio −entendidos como un conjunto integrado de elementos con sus propios patrones, sistema y escala− con los aspectos fundamentales del proyecto arquitectónico. Los sistemas estructurales en los edificios se abordan a partir de distintos aspectos, como la composición formal y espacial, la adecuación al programa, la coordinación con otros sistemas del edificio y el cumplimiento de la normativa técnica, o la revisión del desarrollo histórico de los materiales y las estructuras empleados en la arquitectura. Esta segunda edición ampliada incorpora más ejemplos de arquitecturas contemporáneas que utilizan los diferentes tipos de estructuras tratados en el libro. Manual de estructuras ilustrado es, en definitiva, una guía práctica del diseño de estructuras que no solo concibe el diseño estructural como una parte más del proyecto, sino que también proporciona a estudiantes y profesionales toda la información necesaria para tomar decisiones bien fundamentadas durante su proceso de desarrollo.

Las personas siempre han querido presentarse ante los demás a la moda, bellas y seguras. Los adornos, los ornamentos y la expresión personal son tan naturales en el ser humano como respirar. Esta interesante obra, exhaustiva y llena de ilustraciones, es indispensable para los entusiastas de este tema, ya que recorre todas las épocas importantes de la historia de la moda, presentando los iconos del sector, explicando el impacto de eventos culturales e históricos en la ropa diaria y demostrando que las innovaciones técnicas pueden llevar la moda a nuevas direcciones. Incluye información sobre la elección de los materiales o características específicas hasta el significado de los diseños creados durante épocas de guerras o de excesos, al tiempo que repasa de forma reveladora la trayectoria de los diseñadores más influyentes del mundo. Organizado de forma cronológica, explica la evolución de la moda época a época y tendencia a tendencia, con tablas que ofrecen un contexto histórico y cultural: desde las túnicas drapeadas grecorromanas y el vestido de seda de la corte de la dinastía china Tang hasta los diseñadores de ropa deportiva y la cultura japonesa de la calle.

Alvar Aalto (1898-1976) fue el arquitecto finlandés más prestigioso del siglo pasado y padre del Movimiento Moderno escandinavo. En una ocasión dijo: Dios creó el papel con la finalidad de bocetar arquitectura sobre él. Todo lo demás, al menos para mí, es hacer mal uso del papel. La modernidad de Aalto estribada en la utilización de materiales naturales, colores cálidos y líneas ondulantes, razón por la que se le considera también un notable exponente del incipiente Diseño Orgánico. De su faceta como diseñador al margen de la arquitectura son igualmente apreciados los jarrones, las lámparas, los artículos de cristal y los muebles de contrachapado curvado y laminado (promovidos y producidos a través de Artek, empresa de diseño de la que fue cofundador). Entre sus piezas emblemáticas figuran el jarrón Savoy, la silla Paimio y la lámpara Beehive (Colmena). Esta monografía en torno a los diseños de mobiliario de Alvar Aalto es una importantísima aportación bibliográfica para el estudio del influyente arquitecto y diseñador.

Cuando un interior está realmente logrado, las compensaciones por todo el esfuerzo son tremendas. La claridad y serenidad de un buen interior transmiten un sentimiento de firmeza totalmente maravilloso con el que afrontar nuestro confuso y complicado mundo. El hecho de conseguir esta atmósfera con la tecnología y las formas de nuestro propio tiempo añade más información. [...] Especialmente en un mundo de estandarización tanto de objetos como de personas, esta expresión clara y coherente de la propia individualidad es una meta ineludible.

Si se traduce al hombre individual con sus deseos, sus pasiones y sus gustos, se traducirá lo mejor de la vida social y el orden colectivo. El arte está fundado en la costumbre, pero no en la costumbre fugaz o, más bien artificial que crea la moda. Lo que hace falta es dar al objeto la forma que mejor convenga al gesto espontáneo o al reflejo instintivo que por su destino le corresponde.

Jean Prouvé abrió un taller de forja propio en nancy en 1923, y al poco tiempo fabricaba los primeros muebles de fino acero laminado. Su estética sobria y geométrica atrajo de inmediato el interés de arquitectos como Robert Mallet-Stevens y Le corbusier, que le encargaron trabajos de fundición y, en 1929, le invitaron a ingresar en la nueva Unión des Artistes Modernes, un grupo de artistas y diseñadores que aanderavan el Movimiento Moderno. Además de idear muebles, exploró el diseño de las casas pregabricadas y construyó viviendas para indigentes. Pero en la década de los sesenta su estilo austero estaba aparentemente anticuado, y chocó contra los caprichos de la moda, como diseñador autodidacta, también fue excluido de manera sistemática por los círculos arquitectónicos. Quizá perjudicó asimismo su reputación el ansia personal de establecer colaboraciones, que hacía difícil identificar su papel concreto en los proyectos de arquitectura. Afortunadamente, esta situación dio un giro radical en los años noventa, cuando Prouvé resurgió al sintonizar de nuevo su sensibilidad.

El largo camino desde el material, a través de la función, hasta la labor creativa tiene una única finalidad: crear orden a partir de la terrible confusión de nuestro tiempo. Debemos mantener un orden, asignando a cada objeto el lugar que le corresponde y dando a las cosas el tratamiento justo de acuerdo con su carácter. Si cumplimos este principio a la perfección, el mundo de nuestras creaciones florecerá desde dentro. No necesitamos nada más; no podemos hacer más. Nada puede expresar mejor el objetivoy el significado de nuestro trabajo que las profundas palabras de san Agustín: "La belleza es el esplendor de la verdad"

La 16ª edición de este manual mundialmente reconocido puede considerarse como una nueva edición. Por un lado, se ha conservado el magnífico planteamiento del original y, por otro, se ha actualizado su contenido con el fin de dar respuesta a las nuevas expectativas que han surgido en el mundo de la construcción, especialmente las exigencias medioambientales. Arte de proyectar en arquitectura es un manual de proyectos de construcción que reúne de forma sistemática los fundamentos, las normas y las prescripciones sobre recintos, edificios, exigencias de programa, relaciones espaciales, dimensiones de edificios, locales, estancias, instalaciones y utensilios con el ser humano como medida y objetivo. En esta edición se han revisado y actualizado muchos de los capítulos, entre los que se encuentran: instalaciones deportivas acuáticas, cubiertas, hoteles, evacuación de incendios, muebles y utensilios de cocina, establecimientos de comida rápida, fachadas de madera, normativas de ahorro energético, ascensores, arquitectura solar, rehabilitación y reutilización de edificios, etc. Además de completar los contenidos respecto a las anteriores ediciones, esta nueva versión es fiel a la obra de Ernst Neufert y continúa siendo una referencia bibliográfica de reconocido valor universal, un manual indispensable para arquitectos, arquitectos técnicos, ingenieros, constructores, profesores y estudiantes. Desde su primera edición alemana de 1936, se han realizado 39 ediciones en alemán y 16 en castellano, se ha publicado en 18 idiomas diferentes y se han vendido más de un millón de ejemplares en conjunto.

En su anterior libro Walkscapes. El caminar como práctica estética, Francesco Careri eleva a la categoría de arte el acto de caminar. En sus páginas nos descubre el andar como un instrumento cognitivo y creativo capaz de transformar simbólica y físicamente el espacio, un estudio que, con los años, ha acabado convirtiéndose en un clásico de la bibliografía sobre el caminar. Como continuación de este libro, Pasear, detenerse da un paso más allá e introduce en el caminar la experiencia de la pausa, del detenerse, surgida a partir de las acciones y las reflexiones que Careri ha ido elaborando a lo largo de veinte años en sus clases como artista, arquitecto y profesor del Laboratorio Arti Civiche de Università degli Studi Roma Tre. El libro recopila diversos artículos que nos conducen por Stalker, la muerte de Constant, las ciudades de los gitanos rom, diversas deambulaciones por ciudades latinoamericanas y otros episodios que nos abren nuevas miradas sobre el pasear y el detenerse. El corpus teórico y experimental de Careri se muestra en estas páginas con toda su fuerza y, como ya hiciera en su día con Walkscapes, nos introduce en un universo nuevo y sorprendente: el de la ética y la estética del caminar, y ahora, también, del detenerse.

"Conocer los distintos tipos de costura, escoger la piel adecuada, decidir si se precisan refuerzos o elegir las hebillas que conformarán los cierresComo sucede en casi todas las disciplinas, en el diseño de calzado es tan importante la creatividad y la capacidad de ideación como el conocimiento del proceso de producción, ya que las herramientas y técnicas de fabricación pueden convertirse también en recursos de diseño. El proceso de producción de un zapato, sea industrial o artesanal, es complejo y poco conocido. Consta principalmente de seis fases (diseño, patronaje, corte, aparado, montado y acabado) y de cada una de ellas surge un profesional específico. Este libro es una guía básica ilustrada para conocer a fondo y con ejemplos prácticos la artesanía del calzado. Nos introduce en el proceso de fabricación completo examinando los conceptos, las técnicas y los elementos básicos, y detallando, paso a paso, el desarrollo de seis modelos de zapato prototípicos: bailarinas, zapatos de cordón, salones de tacón, sandalias, botas y botines y, finalmente, alpargatas. Un manual imprescindible para introducirse en la técnica y la producción artesanal de calzado de forma accesible, práctica y rigurosa."

Pensar la arquitectura recopila diversos escritos de Peter Zumthor cuyo valor reside en la reflexión que acompaña a la intensidad de su obra. Escritos a lo largo de diez años, los textos constituyen un raro y valioso testimonio del pensamiento del maestro suizo.

¿Para qué sirven las distintas partes de la máquina de coser? ¿Por qué el planchado es tan importante como el cosido? ¿Qué hay que tener en cuenta a la hora de realizar una costura curva? ¿Por qué hay que lavar el tejido antes de empezar a trabajar con él? ¿Cómo coser por primera vez una cremallera sin morir en el intento? Carolyn N.K. Denham parece leernos el pensamiento al resolvernos las dudas más habituales que nos surgen a todos cuando nos ponemos a coser. Un pequeño manual de primeros auxilios que reúne todos los secretos, técnicas, trucos y consejos decisivos para adentrarse sin problemas en el mundo de la costura y la confección.

La primera referencia integrada y didáctica para diseñadores de todas las disciplinas. Combina el texto descriptivo sobre conceptos de diseño con ejemplos ilustrados de cada uno de ellos. Apoya el pensamiento interdisciplinario, la resolución de problemas, la innovación y la ideación. Abarca los pilares de la teoría del diseño en disciplinas que van desde el diseño gráfico, pasando por la arquitectura, hasta el diseño de interfaces del usuario. Ya se trate de una campaña de marketing o de una exposición en un museo, un videojuego o un complejo sistema de control, los diseños que vemos son la culminación de numerosos conceptos y prácticas procedentes de diversas disciplinas. Dado que nadie puede ser experto en todo, los diseñadores siempre han tenido que buscar referencias y recursos muy diversos con objeto de hallar la información necesaria para que un diseño funcione... al menos hasta ahora. Este volumen es el primer manual de diseño interdisciplinario. Profusamente ilustrado y con una distribución que facilita su consulta, combina explicaciones claras de conceptos de diseño con ejemplos visuales de éstos aplicados en la práctica. Desde la «regla del 80/20» hasta la fragmentación, pasando por las «connotaciones de los rostros aniñados», «la navaja de Ockham», la «autosimilitud» o la «narración», los lectores ampliarán sus conocimientos sobre más de cien conceptos fundamentales. Una referencia imprescindible para diseñadores, ingenieros, arquitectos y estudiantes que busquen ampliar y mejorar sus habilidades como diseñadores. Sobre los autores William Lidwell es jefe de investigación y responsable de desarrollo de Applied Management Sciences Institute. Kritina Holden es especialista en factor humano en el Lockheed Martin-Space Operations. Jill Butler es fundadora y presidenta del Stuff Creators Design Studio.

Conocemos muchos más sentimientos que colores. Por eso cada color puede producir muchos efectos distintos, a menudo contradictorios. Un mismo rojo puede resultar erótico o brutal, inoportuno o noble. Un mismo verde puede parecer saludable, venenoso o tranquilizante. Un amarillo, radiante o hiriente... Ningún color carece de significado. Su efecto está determinado por su contexto y las personas que trabajan con los colores deberían conocer a fondo esos contextos y esos efectos. Este libro explora la relación que los colores tienen con nuestros sentimientos y demuestra que no se combinan de manera accidental, pues sus asociaciones no son meras cuestiones de gusto, sino experiencias universales que están profundamente enraizadas en nuestro lenguaje y en nuestro pensamiento. Organizado en trece capítulos que corresponden a otros tantos colores distintos, el volumen proporciona una gran cantidad y variedad de información sobre los colores: desde dichos y saberes populares, hasta su utilización en el diseño de productos, los diferentes test que se basan en colores, la curación por medio de ellos, la manipulación de las personas, o los nombres y apellidos relacionados con colores. La diversidad de este enfoque convierte la obra de Eva Heller en una herramienta fundamental para artistas, terapeutas, diseñadores gráficos e industriales, interioristas, arquitectos, diseñadores de moda, publicistas y todas aquellas personas que trabajan con los colores como herramienta fundamental. Un libro que se ha convertido ya en un clásico.

Casi todo lo que usamos y leemos desde que nos levantamos hasta que nos acostamos ha sido diseñado. En nuestro mundo industrializado y digital, prácticamente todo aquello artificial ha sido proyectado previamente y, por lo tanto, diseñado. ¿Pero sabemos exactamente qué es el diseño? Este libro arroja luz sobre una de las actividades más omnipresentes y al mismo tiempo ignoradas de nuestra sociedad. Isabel Campi, una de las mayores expertas en teoría e historia del diseño, nos introduce de forma divulgativa a todo lo que rodea al universo del diseño: desde su significado y ámbitos de actuación hasta su historia, sus diferencias geográficas y culturales, la realidad de la profesión de diseñador y las cuestiones más candentes en la actualidad. El resultado es un texto ameno, sencillo y clarificador que interesará a periodistas culturales, a amantes de la cultura visual y, por supuesto, a todos aquellos jóvenes que estén pensando en hacer de la creatividad su profesión.

¿Crees que la acuarela es sinónimo de paisajes bucólicos, evocadoras marinas o delicados bodegones? ¡Olvídate de la imagen anticuada que tienes de ella y sumérgete en una de las técnicas más versátiles y sorprendentes que existen! Este libro te presenta la acuarela 2.0, la nueva era de uno de los lenguajes plásticos más potentes. Técnicas y trucos. Conoce los materiales y herramientas más básicos de la acuarela, y aprende a jugar con las variaciones de color, las mezclas, las transparencias y las técnicas fundamentales. Juegos y experimentos. Mezcla la acuarela con otros medios como el lápiz, el pastel o la tinta china, e incluso con el bordado, el collage u objetos de la vida cotidiana como un peine o un cepillo de dientes. ¡Descubrirás la acuarela desde un nuevo e insólito punto de vista! 25 tutoriales. Sigue las sencillas instrucciones paso a paso de los 25 ejercicios prácticos que te propone el libro. En la acuarela el secreto consiste en innovar y descubrir que tú también puedes hacerlo. Este libro no solo te revela las ideas y los descubrimientos de la autora durante años de experiencia, sino que te enseña, ante todo, a experimentar por ti mismo. ¡Redescubre la acuarela!

Este libro recoge cuatro conversaiones con Rem Koolhaas, Denise Scott Brown y Yoshiharu Tsukamoto. Desde principios de este siglo, la disciplina de la arquitectura ha centrado vehementemente su atención en documentar la condición urbana contemporánea. Cada ciudad ha sido examinada como un repositorio de conceptos arquitectónicos, interrogada como un manifiesto urbano, registrada como una serie de objetos encontrados. Registros de lo ordinario articula una genealogía potencial para esta práctica y para el género de libros que de ella se deriva, y forma parte también del proyecto que Enrique Walker recogió en el libro Lo ordinario (Editorial Gustavo Gili, Barcelona, 2010). Organizado en torno a conversaciones con los autores de tres textos fundamentales que documentan la ciudad +Rem Koolhaas con Delirio de Nueva York, Denise Scott Brown con Aprendiendo de Las Vegas y Yoshiharu Tsukamoto con Made in Tokyo+, este volumen rastrea la historia de estos "libros sobre ciudades" al examinar el material que registraron, los hallazgos que establecieron, los argumentos que formularon y los proyectos que promovieron.

"esta colección de elementos arquitectónicos nos permite mirar a través de un microscopio los fundamentos reales de nuestros edificios y ver de nuevo las técnicas de diseño esenciales usadas por cualquier arquitecto, en cualquier lugar y momento. concebida por rem koolhaas y realizada con la colaboración de la harvard graduate school of design, es una herramienta esencial para comprender cómo estos elementos aparentemente estables evolucionan constantes en el tiempo. ""un recurso que puede ser consultado una y otra vez y que dará a los diseñadores de nuestro mundo construido, los de hoy y los del futuro, el conocimiento necesario para abordar los retos a los que nos enfrentamos".

100 ejercicios prácticos para convertirte en el mejor ladrón de ideas. El ticket de un restaurante. El título de un libro que no has leído. Un recuerdo. Lo que has tirado a la papelera. Una búsqueda en Google. El origen de la creatividad está donde menos te lo esperas y con este cuaderno de ejercicios Austin Kleon te enseña a mirar el mundo y a robarle ideas tal como hacen los artistas. ¡Sólo apto para cleptómanos creativos!

Sistemas de retículas es el tratado clásico de referencia sobre el diseño con retícula. Un manual que aborda de forma rigurosa y exhaustiva la sistematización de la composición tipográfica en cualquiera de sus formas, como el libro, la revista, el catálogo, el folleto o el cartel. Con esta nueva edición revisada, que incluye nueva traducción al portugués, reaparece uno de los libros de culto del diseño gráfico contemporáneo. Partiendo de los componentes básicos hasta llegar a las estructuras gráficas más complejas, el manual examina los elementos comunes que integran la configuración tipográfica y muestra cómo hallar el principio ordenador en torno al cual pueden articularse dichos elementos. Con este procedimiento el autor busca asegurar la convivencia armónica de la tipografía con titulares, imágenes y gráficas, y consigue poner de manifiesto la inmensa riqueza de las alternativas visuales que pueden darse como solución a un mismo problema formal.

El Sketchnoting es una manera creativa de tomar notas combinando texto y recursos gráficos. Se trata de una innovadora herramienta de pensamiento visual que nos permite organizar la información de forma clara, pero también abierta, posibilitando que se generen nuevas conexiones y desarrollos entre las ideas. Esta práctica consigue, así, liberar nuestra creatividad y ampliar los márgenes de nuestro pensamiento.

Stone es un recorrido global fresco y fascinante por el material de construcción más antiguo y hermoso del mundo. Con más de 170 estructuras, desde la prehistoria hasta la actualidad, este libro integra impresionantes monumentos neolíticos junto al trabajo de íconos del siglo XX, desde el Pabellón de Barcelona de Mies van der Rohe al atrevido edificio Met de Marcel Breuer, en Nueva York. También se presentan proyectos de los mejores arquitectos contemporáneos del mundo: el Oslo Opera House del estudio noruego Snøhetta, la Plaza de Chokkura de Kengo Kuma en Japón y el Museo Jumex de David Chipperfield en Ciudad de México. Una exploración visual elegante e informativa que demuestra la notable variedad de estructuras creativas e innovadoras que este material ha inspirado en todo el mundo.

Herramientas narrativas para comunicadores, creativos y emprendedores. Érase una vez un mundo en el que la comunicación funcionaba solo en una dirección. Cada día, marcas e instituciones se limitaban a repetir su mensaje muchas veces. Pero entonces, llegó un tsunami digital, arrasó aquel mundo, y el público empezó a decidir cómo y cuándo deseaba recibir la información. Por ese motivo, las marcas tuvieron que reinventar completamente sus estrategias de comunicación. Hasta que un día, apareció el storytelling como una metodología perfectamente adaptada al nuevo contexto. Desde entonces, la comunicación de marcas e instituciones ya no volvería a ser nunca más la simple emisión unilateral de un mensaje. Se convirtió en una forma de tejer un vínculo más complejo y más rico con los usuarios. Las historias nos emocionan, nos inquietan, permanecen en nuestra memoria y reaparecen para influirnos cuando tenemos que actuar. Este libro desgrana el arte del storytelling como técnica de comunicación y lo aborda en todas sus dimensiones -vivencial, cultural, racional- para que comprendamos bien sus mecanismos de funcionamiento y logremos transmitir eficazmente mensajes en forma de narración. Guillaume Lamarre nos lo cuenta todo sobre las historias: su relación con las marcas, sus características fundamentales, su estructura y elementos básicos. a través de la combinación de ejemplos de la cultura popular, campañas de comunicación, explicaciones teóricas, ejercicios prácticos y entrevistas a grandes narradores de nuestro tiempo. Un manual necesario, en definitiva, para hacer que una marca comunique cosas, lanzar acertadamente un producto al mercado o presentar un proyecto de forma convincente.

Considerado una de las figuras clave de la teoría, la historia y la crítica de la arquitectura de los últimos cuarenta años, a menudo Kenneth Frampton es identificado únicamente con su ya clásica Historia crítica de la arquitectura moderna. Sin embargo, su obra teórica va mucho más allá y se encuentra diseminada en multitud de artículos y ensayos aparecidos en distintas publicaciones. Este libro presenta una selección de tres textos publicados por Frampton alrededor de la década de 1980. En ellos redescubrimos al gran pensador inglés y algunos de los principios e ideas que han marcado su trayectoria intelectual, como la fuerte influencia que Hannah Arendt ejerció sobre su obra o la importancia que Frampton concedió desde siempre a la poética de la construcción.

Goethe llegó al color desde el arte. Su inquietud por los efectos cromáticos como recurso artístico lo llevó a indagar incansablemente en el enigma del color y culminó en la elaboración de uno de los tratados científicos más importantes de la teoría del color que rebatía los postulados previos del mismísimo Newton. Este libro recoge las láminas con las que ilustró su teoría y las explicaciones que las acompañaron. Complejo y apasionante a la vez, el texto deja entrever las tensiones latentes entre sujeto y objeto, realidad y representación, arte y ciencia, y las innumerables dicotomías que estimularon el pensamiento y la obra del autor alemán a lo largo de toda su vida. El libro se cierra con un epílogo de Jürgen Teller que detalla los viajes y episodios vitales que explican el tránsito de Goethe de lo poético a lo científico en su teoría de los colores.

Antes de que los medios de comunicación de masas transformaran nuestros hábitos de visualización, y de que pudiéramos disfrutar de textos e imágenes en pantallas tan pequeñas como la esfera de un reloj, las ilustraciones eran las acompañantes principales de la palabra impresa. En el contexto actual, diseñadores y artistas siguen siendo protagonistas. La ilustración es más libre y variada que nunca, y está presente en medios impresos y digitales, libros, envoltorios, ropa, automóviles y restaurantes. Este libro rinde homenaje a la calidad, diversidad, intensidad, comicidad, vivacidad y excepcionalidad del trabajo de los ilustradores de hoy. Desde artistas veteranos como Brad Holland, cuyas pinturas alusivas y metafóricas en la sección de opinión del New York Times revolucionaron la ilustración en la década de 1970, hasta estrellas emergentes como Robin Eisenberg, con sus bellezas alienígenas de colores pastel a bordo de naves espaciales en portadas de discos de indie-rock, los 100 artistas de esta colección son solo, como suele decirse, la punta del iceberg, pero componen un recorrido apasionante por los estilos, las técnicas y el uso del color de creadores de todo el mundo. Le animamos a elegir sus favoritos.

En este imponente primer volumen, el experto Jens Müller repasa 70 años de diseño gráfico, diseñadores y desarrollos, desde finales el siglo XIX hasta el auge económico tras la Segunda Guerra Mundial, y descubre esas creaciones que fueron base de revoluciones futuras. Cada año se presenta a doble página e incluye artículos exhaustivos sobre cientos de proyectos fundamentales, reseñas sobre figuras clave de la disciplina e impresionantes cronologías visuales de cada década.

En este segundo volumen, Jens Müller completa el más exhaustivo mapa visual de la historia del diseño gráfico realizado hasta la fecha. Descubra cómo la disciplina moldeó la sociedad contemporánea desde la década de 1960 hasta la actualidad; del movimiento hippie a nuevas formas de lenguaje visual. Con unas 3.500 piezas fundamentales y 78 proyectos emblemáticos, cada año se presenta a doble página e incluye reseñas sobre figuras clave.

En el trabajo creativo, no hay crítico más despiadado que uno mismo. Es hora de plantar cara a tu crítico interior y enseñarle unas cuantas verdades… 1–Todo el mundo es creativo 2–Las excusas son el enemigo 3–Las etiquetas son para las conservas, no para las personas 4–La hoja en blanco puede deslumbrarte 5–La envidia es un semáforo en verde 6–Tu crítico interior es un cretino 7–Nadie puede arrebatarte el lápiz de las manos 8–Del fracaso surge la genialidad 9–Crear en el vacío es un asco 10–Los bloqueos están para romperlos Si eres una persona creativa (y sin duda lo eres, como afirma la verdad número 1), descubrirás que todo lo anterior es cierto aunque tu yo más negativo persista en bloquearte y dejar tu mente en blanco. ¡Aprende a aceptar estas 10 máximas como parte de tu proceso artístico y verás cómo tu trabajo avanza a pasos agigantados!

Gilles Clément ha escrito un recorrido por la historia del jardín que parte de sus significados más profundos y atávicos; un libro breve y delicioso que nos conecta con los sentidos que, desde nuestra condición de seres humanos, le hemos ido dando a la naturaleza domesticada. “El primer jardín es un cercado. Conviene proteger el bien preciado del jardín: las hortalizas, las frutas; luego las flores, los animales, el arte de vivir… todo aquello que, a lo largo del tiempo, se presentará siempre como lo ‘mejor’ […]. La noción de ‘mejor’, de bien preciado, no deja de evolucionar. La escenografía destinada a valorar lo mejor se adapta al cambio de los fundamentos del jardín, pero el principio del jardín permanece constante: acercarse lo más posible al paraíso.”

“Urbanismo ecológico es una iniciativa de la Graduate School of Design de la Harvard University que entiende el proyecto como una síntesis capaz de conectar la ecología y el urbanismo. La iniciativa intenta poner de manifiesto métodos imaginativos y prácticos para abordar los cambios climáticos y la sostenibilidad en el entorno urbano, entendiendo la ecología como un proyecto ético y político que engloba el medio ambiente, no solo como realidad física, sino también desde las relaciones sociales y la subjetividad humana.” En 2014 se publicó en castellano y portugués el primer volumen de Urbanismo ecológico, una compilación de los textos surgidos de esta línea de investigación y acción urbanística de la célebre universidad estadounidense. La aparición de este volumen dio origen a una serie de encuentros y debates en diversos países de América Latina y al conjunto de ensayos y obras que se recogen ahora en Urbanismo ecológico en América Latina. Este nuevo volumen, editado por Mohsen Mostafavi, Gareth Doherty, Marina Correia, Ana María Durán Calisto y Luis Valenzuela, presenta la realidad compleja y poliédrica de América Latina a partir de siete ejes temáticos —anticipar, colaborar, sentir, incluir, movilizar, comisariar, adaptar— que dialogan con la publicación original y exploran nuevas interpretaciones. Parques, sistemas fluviales, chinampas, São Paulo, Santiago de Chile, infraestructuras educativas, movilidad, agroecología, Diana Wiesner, Elemental, Ermínia Maricato, Tomás Saraceno, Solano Benítez, Guilherme Wisnik, Teresa Moller, Carla Juaçaba… Multiplicidad de casos y miradas aportan una panorámica excepcional para el debate de lo urbano y lo político a la luz de la ecología y la sostenibilidad.

El visual merchandising es una disciplina esencial para cualquier establecimiento comercial. Unos escaparates atractivos incitan a los transeúntes a detenerse para mirarlos y a entrar en el establecimiento, y una distribución interior adecuada guía al comprador a través de la tienda e incita a pasar más tiempo en ella. El visual merchandising es una herramienta fundamental para lograr una experiencia de compra eficaz. Convertido ya en el manual de referencia sobre visual merchandising, este libro ofrece los principios y conocimientos prácticos esenciales sobre la disciplina. Sus contenidos, actualizados en esta 3ª edición con numerosos ejemplos recientes, abarcan todos sus aspectos: escaparates, diseño de tiendas, distribución de productos, montajes interiores, maniquíes, etc., cada uno de ellos orientado a establecimientos de cualquier escala, ya sean grandes almacenes, cadenas o pequeños comercios. El libro está ilustrado con dibujos y fotografías de ejemplos de todo el mundo y ofrece una gran cantidad de consejos y trucos prácticos. Un título fundamental tanto para estudiantes de interiorismo como para profesionales.

Desde sus inicios en 1990, Internet ha visto aparecer más de mil millones de webs, aunque sus interfaces no han sido siempre elegantes. Este recorrido visual por la historia de Internet recoge los primeros ejemplos de lo que hoy damos por sentado, desde la primera web con sonido envolvente hasta la primera función “carga tu cara” y las primeras webs parecidas a YouTube. Incluye páginas informativas con datos de cada año, análisis de Google y comentarios de los propios creadores.

Desde sedes olímpicas hasta un aeropuerto de fama mundial, esta monografía reúne la obra completa de la primera mujer que ganó el premio Pritzker y una de las arquitectas más destacadas del siglo XXI: Zaha Hadid. Las fotografías, los textos y los dibujos de la propia artista muestran su audaz universo de construcciones, mobiliario y diseño interior, incluida la magnífica Antwerp Port House.

Zaha Hadid fue una arquitecta revolucionaria. Durante muchos años, pese a ganarse el reconocimiento de la crítica, apenas construyó nada. Algunos llegaron a decir que sus audaces diseños futuristas no se podían construir. Durante la última etapa de su vida, sus atrevidas visiones se hicieron realidad, llevando a las ciudades un lenguaje arquitectónico nuevo y único, y estructuras tan variadas como la del Rosenthal Center for Contemporary Art de Cincinnati, celebrado por The New York Times como "el edificio nuevo más importante de Estados Unidos desde la guerra fría"; el Museo MAXXI de Roma; la Ópera de Guangzhou, en China, y el Centro Acuático de los Juegos Olímpicos de Londres 2012. En el momento de su inesperada muerte en 2016, Hadid estaba firmemente instalada en la élite de la arquitectura mundial. Fue la primera mujer en ganar el premio Pritzker de arquitectura y la Medalla de Oro del RIBA, pero sobre todo fue reconocida como la creadora de nuevas formas y la gran arquitecta de la primera década de este siglo. Desde sus primeros edificios de ángulos pronunciados hasta su arquitectura fluida posterior en la que suelos, techos, paredes y muebles forman parte de un diseño global, esta obra introductoria presenta ejemplos clave de su trabajo pionero. Hadid fue artista y arquitecta a partes iguales, luchó por romper con las reglas y dar forma a su propio universo siglo XXI.

Un edificio de Frank Lloyd Wright (1867-1959) es inequívocamente personal pero a la vez evoca toda una época. Los diseños de Wright, notables por su excepcional conocimiento de un entorno ecológico y el uso de acero y cristal para trastocar la interfaz interior/exterior, marcaron la entrada en la modernidad, además de hacerse un hueco en los anales de la historia de la arquitectura. Esta exquisita compilación de la monografía de tres volúmenes publicada por TASCHEN reúne las obras más importantes de la vasta obra que trastocó los estándares de la arquitectura en una retrospectiva rigurosa a un precio muy asequible del arquitecto más famoso de Estados Unidos. Gracias al acceso ilimitado a los archivos de Frank Lloyd Wright en Taliesin (Arizona), esta colección explora a fondo los proyectos de Wright, tanto los que materializó como los que quedaron en papel. Así, encontramos desde sus primeras casas de la pradera, las casas usonianas con la Casa de la cascada a la cabeza, los años de Tokio y los progresistas edificios de «arquitectura viva», hasta los últimos proyectos como el Museo Guggenheim de Nueva York y las fantásticas visiones de un mañana mejor de la «ciudad viviente». Bruce Brooks Pfeiffer, que fue aprendiz de Wright en la década de 1950, analiza los estudios más recientes sobre el maestro y ofrece su punto de vista acerca de una obra arquitectónica que cambió las reglas del juego.

La geometría se ha utilizado en la construcción desde la antigüedad, desde Egipto y Grecia, o Roma hasta el Islam y las construcciones del Lejano Oriente. A menudo, una gran profusión ornamental ocultaba estas formas simples de planificación pero, con la llegada del Movimiento Moderno europeo, durante el período de entreguerras del siglo xx, las estructuras salen al descubierto: desde la planificación rectangular de Mies van der Rohe y Aldo Rossi hasta las líneas trapezoidales de I. M. Pei, pasando por las formas circulares de Frank Lloyd Wright, los cubos gigantes de Thom Mayne o los triángulos en forma de A de Walter Netsch y Shigeru Ban. En este innovador análisis de la arquitectura moderna más emblemática e iconoclasta, John Zukowsky examina el diseño y la función de 100 edificios que rompieron las barreras de lo que era aceptable en la arquitectura, para despertar más adelante la mayor admiración. De lo insólito a la auténtica vanguardia, cada uno de estos proyectos ratifica los tres principios de Vitruvio de firmitas, utilitas, venustas, es decir, solidez, utilidad y belleza. Estos ejemplos representan el arte de la arquitectura y el arte de la negociación: las relaciones entre clientes y arquitectos que hacen que el diseño se haga realidad A lo largo del libro descubrimos por qué algunos arquitectos priorizan la funcionalidad por encima de los valores estéticos –o viceversa–, por qué otros parecen desafiar todas las normas, y de qué manera acontecimientos mundiales como la carrera espacial han influido en estos proyectos.