¿Cómo valorar el tiempo y el esfuerzo que lleva mezclar colores en los tonos deseados? ¿El coraje te hunde cuando tienes que elegir entre todos esos colores? Entonces has encontrado el libro que te ayudará a salir de este problema. Incluye una lista de más de 10 mil mezclas de colores en todos los medios, además de explicaciones detalladas de las principales propiedades del color, como el calor, la intensidad, la densidad y el tono. Sumado a esto, el autor entrega consejos prácticos para la composición de una paleta de colores. Un trabajo de referencia para todos los artistas que usan pintura al óleo, acrílicos, acuarelas, gouache, pasteles suaves, lápices o tintas.

Un curso de acuarela en 30 proyectos ¿Quieres adentrarte en la técnica pictórica más espontánea y sorprendente, ganar confianza en ella y encontrar la mejor inspiración para desarrollar tu propio estilo? ¡Esta es tu guía! Un curso práctico en 30 días para lanzarte de una vez por todas al maravilloso mundo de la acuarela. · 30 PROYECTOS DE MÁS FÁCIL A MÁS DIFÍCIL Ponerte a pintar una flor o un tucán antes de saber usar el pincel no es la mejor forma de iniciarte en la acuarela. Lo ideal es empezar por algo sencillo e ir añadiendo complejidad a medida que avanzas. Y esto es precisamente lo que hace Jenna Rainey: te propone un proyecto distinto para cada día, partiendo del trabajo con las formas y los efectos más básicos hasta llegar a pintar bellos y complejos paisajes, auténticas explosiones de color. · Cada proyecto está planteado en tres sencillos pasos: dibujar las formas y siluetas, elegir la gama de colores y, finalmente, pintar en acuarela. La autora es tan clara y didáctica que lo difícil te parecerá fácil y, gracias a sus detalladas explicaciones e ilustraciones, ¡aprenderás sin darte cuenta!

Una esperada actualización de uno de los libros de arte más importantes de Phaidon, que en sus dos ediciones anteriores vendió más de 180,000 copias en todo el mundo Revisado para incluir una serie de nuevas entradas que presentan arte contemporáneo producido en los últimos diez años Las obras de arte más grandes del mundo en todos los medios: pintura, escultura, textiles, metalurgia, cerámica, que van desde obras maestras seminales hasta piezas menos conocidas, tanto en bellas artes como en artes decorativas, claramente estructuradas con textos concisos e informativos y detalles clave sobre cada obra de arte Autorizada: escrita por muchos de los principales curadores de museos, académicos y arqueólogos del mundo. Formato cronológico fácil de usar, que incluye un índice de referencias cruzadas y un glosario de escuelas y movimientos.

La leyenda de Jean-Michel Basquiat (1960-1988) continúa intacta. Símbolo del Nueva York de la década de 1980, el artista inició su carrera a finales de la década de 1970 bajo el seudónimo SAMO llenando las paredes de la ciudad con pintadas que contenían mensajes mordaces y fragmentos de poemas. Formó parte de una escena underground en pleno auge formada por todo tipo de artistas que se dedicaron a las artes plásticas, el gratifi, el hip-hop, el post-punk y el cine amateur. Basquiat, pintor con una potente voz personal, no tardó en triunfar en entornos más convencionales y expuso en galerías de todo el mundo. Su estilo expresivo se basaba en figuras rudimentarias a las que añadía palabras y frases. Publicado originalmente en edición XXL, este acercamiento inédito al arte de Basquiat está disponible ahora en un volumen compacto y accesible para celebrar el 40 aniversario de TASCHEN. A través de reproducciones impecables de sus pinturas, dibujos y esbozos más destacados, podrá admirar al detalle los complejos signos y crípticos garabatos del artista y profundizar en su mundo gracias a capítulos organizados por años y profusamente ilustrados, que recorren la vida de Basquiat con citas del propio artista y reseñas que aportan al lector tanto una perspectiva personal como del contexto histórico.

La vida y la época de Pieter Bruegel el Viejo (c. 1525-1569) estuvieron marcadas por el conflicto cultural. Fue testigo de guerras religiosas, del brutal mandato del duque de Alba como gobernador de los Países Bajos y de los efectos palpables de la Inquisición. A día de hoy, el artista flamenco continúa estando rodeado de misterio. No sabemos exactamente ni dónde ni cuándo nació. Si bien los primeros estudiosos de su figura enfatizaron el carácter vernáculo tanto de su pintura como de su obra gráfica, la investigación moderna otorga más relevancia al contenido humanista de sus creaciones. Este libro está basado en nuestra monografía XXL, para la que TASCHEN realizó un estudio fotográfico integral de la obra del artista. El resultado son reproducciones y detalles impecables que desvelan el espectacular universo de Bruegel con una nitidez nunca vista. Para celebrar nuestro 40 aniversario, esta monumental colección se presenta ahora en dos volúmenes compactos. Bruegel: Obra pictórica completa presenta las 40 pinturas, acompañadas de detalles ampliados y textos fascinantes y accesibles.

Ernst Haeckel (1834-1919) fue un biólogo, naturalista, evolucionista, artista, filósofo y doctor alemán, que dedicó su vida a la investigación de la flora y la fauna tanto de las cimas de las montañas más altas como de los océanos más profundos. Como ferviente partidario y estudioso de las teorías de la evolución de Darwin, denunció el dogma religioso, escribió tratados filosóficos, obtuvo un doctorado en zoología y acuñó términos científicos, ahora de uso común, como ecología, filo y célula madre. Este libro rinde homenaje a la importancia científica, artística y medioambiental de la obra de Haeckel con una colección de láminas extraídas de varios de sus tomos más importantes sobre biología marina, incluidos Die Radiolarien, Monographie der Medusen, Die Kalkschwämme y Kunstformen der Natur. En un momento en el que la biodiversidad está cada vez más amenazada por las actividades humanas, este volumen es, al mismo tiempo, una obra maestra visual, una exploración submarina y un vívido recordatorio de la hermosa diversidad de la vida.

Esta edición especial actualiza la primera monografía de Jamie Hewlett con cerca de 30 obras nuevas. A través de las tramas, los personajes, las tiras cómicas y los bocetos desde las épocas de Tank Girl y Gorillaz hasta hoy, este libro recorre la inventiva excepcional de Hewlett y rinde homenaje a un artista polímata que no se resigna a dormirse en los laureles.

El pintor floral Pierre-Joseph Redouté (1759-1840) se dedicó en cuerpo y alma a las artes botánicas y plasmó la diversidad de las plantas con flores en acuarelas que se publicaron como grabados punteados, con cuidadas descripciones. Adorado y admirado por la alta sociedad parisiense, contó con una red de mecenas, entre la que se encontraba la esposa de Napoleón, Josefina. Fue apodado el “Raphael de las flores” y está considerado hasta hoy un maestro de la ilustración botánica. Esta edición, adaptación de nuestro exitoso volumen XL, se presenta en un formato más pequeño y accesible, y reúne algunos de los grabados botánicos en color de sus magníficos volúmenes Las rosas, Las lilas y La selección de las más bellas flores y ramas con los mejores frutos. Una muestra de su extraordinaria habilidad para combinar precisión y belleza que ofrece una visión única de magníficos invernaderos y jardines del París de antaño.

La creatividad de cada uno nace, en realidad, de una mezcla maravillosamente desordenada de observaciones, saberes, emociones, pensamientos y acciones. El artista e ilustrador Guridi lo tiene muy claro y ha decidido hacer brotar de nuevo en cada uno de nosotros la creatividad que llevamos dentro. Este libro no es un ensayo, ni una poesía, ni un cuaderno de artista, ni un manual práctico de creatividad, sino todo a la vez. Una invitación maravillosamente desordenada a caer en el caos del proceso artístico para descubrir la importancia del error.

La acuarela es una técnica bella y placentera que encierra muchos secretos y sorpresas. En este libro, la popular artista y tallerista Ana Victoria Calderón te desvela todos sus recursos paso a paso para aprender a pintar en acuarela combinando libertad creativa y precisión matemática. · Material básico Todos los útiles esenciales: tipos de pinturas, papeles y pinceles, diversas opciones para ornamentar tus obras. · Técnicas paso a paso Dominarás las técnicas básicas, comenzando por actividades fáciles de entrenamiento, siguiendo por los secretos de las capas y terminando por el escaneo y la edición digital de tus obras. · Motivos aplicados Aprenderás de forma totalmente práctica, aplicando las técnicas en gran variedad de motivos: flores y follaje, mariposas y otros bichos, frutas y verduras, y letras dibujadas con todo tipo de ornamentos y florituras. ¡Escoge un pincel, sumérgete en el mundo de la acuarela y ponte a pintar!

"Comprender la morfología y la estructura del cuerpo humano es esencial para poder representarlo artísticamente. Este libro nos introduce de forma práctica y visual en la anatomía artística a través del écorché y otras técnicas de dibujo. Sus cerca de mil ilustraciones nos permiten captar la naturaleza del cuerpo humano en su vertiente más formal con el objetivo de que este aprendizaje se convierta en una potente fuente de creatividad. Más de mil dibujos anatómicos organizados en seis capítulos: cabeza y cuello, torso, hombros, extremidades superiores, extremidades inferiores y cuerpo entero. Principios básicos del dibujo anatómico: las claves de la composición, las proporciones y el encaje aplicadas a todos los niveles, desde el detalle anatómico hasta el cuerpo en movimiento. Morfología, tejidos y texturas: una incursión anatómica al interior del cuerpo humano desde la musculatura hasta la osamenta. Perspectivas y rincones inéditos: dibujos desde todos los ángulos posibles para aprehender una visión tridimensional del cuerpo humano rica y diversa."

Conocer el esqueleto humano no solo ayuda a comprender la mecánica del cuerpo, sino que permite trabajar los dibujos hasta la perfección en función de la osamenta bajo la piel. Después del primer volumen dedicado al écorché y un segundo volumen centrado en la esquematización, Michel Lauricella ofrece en Anatomía artística 3 todas las claves para dibujar el esqueleto humano. Más de 500 dibujos de los huesos y las estructuras óseas de cabeza y cuello, torso, miembros superiores y miembros inferiores; descripción visual de salientes, aristas, crestas, surcos, torsiones y de los movimientos de rotación y flexión-extensión; desarrollo de la capacidad de observación y selección a través de una mirada precisa y muy dirigida sobre el cuerpo humano.

Grasas y pliegues de la piel. Después de los tres volúmenes precedentes dedicados al écorché, la esquematización y el esqueleto, Michel Lauricella vuelve con sus conocidas lecciones de anatomía artística basadas en la comprensión profunda de la morfología del cuerpo humano. Esta vez Lauricella deja de lado los huesos y los músculos y aplica su exitosa fórmula pedagógica al tejido adiposo y sus distintos comportamientos. Más de 500 dibujos de las grasas y las pieles de cabeza y cuello, torso, miembros superiores y miembros inferiores en función del peso, la edad y el sexo, entre otras variables.

En la quinta entrega de sus célebres lecciones de anatomía artística, Michel Lauricella aplica su conocida fórmula pedagógica a la mecánica de las articulaciones y su materialización en formas óseas y musculares. · Cerca de 400 dibujos de las articulaciones y los movimientos que estas posibilitan —como la flexión, la extensión y la rotación— organizados en cuatro apartados: cabeza y cuello, torso, miembros superiores y miembros inferiores. · Cerca de 400 dibujos de las articulaciones y los movimientos que estas posibilitan —como la flexión, la extensión y la rotación— organizados en cuatro apartados: cabeza y cuello, torso, miembros superiores y miembros inferiores. · Cerca de 400 dibujos de las articulaciones y los movimientos que estas posibilitan —como la flexión, la extensión y la rotación— organizados en cuatro apartados: cabeza y cuello, torso, miembros superiores y miembros inferiores. · Recursos para enriquecer el dibujo de observación y facilitar la práctica del dibujo de imaginación inspirando formas imaginarias, híbridas o fantásticas que traten de mantener siempre la relación entre función y forma.

Sumérgete en una de las técnicas artísticas más asombrosas y fascinantes a través de una colección de animales con la que podrás ilustrar postales, tarjetas de felicitación o tu propio diario personal. El bestiario más bello Un oso, un koala, un armadillo, un papagayo… Crea un hermoso bestiario de 34 animales con la elegancia y la frescura de la acuarela, y la sutileza y la maestría de un profesional. ¡En 5 pasos! Consigue pintar bellísimas y detalladas criaturas en tan solo 5 pasos que convertirán en sencillo lo que parecía imposible.

Una guía práctica de dibujo para principiantes y avanzados. Si siempre ha querido lucirse dibujando, Aprender a dibujar, es su libro. No necesita más que un lápiz, unas hojas de papel en blanco y los consejos que encontrará en estas páginas. Esta obra, pensada para enseñarle la esencia del dibujo de manera sistemática, pone los cimientos para que desarrolle su propio estilo de dibujo. A partir del dibujo de objetos sencillos, aprenda a dominar todos los aspectos del entorno, personas y animales. Con más de 1.000 ilustraciones.

¿Qué colores utilizar para transmitir en acuarela el frescor y la calidez de un paisaje tropical? ¿Y la exuberancia y la frondosidad de una selva? ¿Cómo replicar la paz y la serenidad del arte impresionista? La popular acuarelista Ana Victoria Calderón te cuenta en este libro todos los secretos para elegir y mezclar acuarelas creando combinaciones y efectos cromáticos atractivos y llenos de emoción. Aprende los conceptos básicos de la teoría del color, desde el círculo cromático hasta cómo crear armonías o jugar con la temperatura; conoce un extenso y valioso muestrario basado en fotos evocadoras y bellas obras de arte te servirá de fuente de inspiración y te enseñará a trasladar a una paleta de color la realidad que te rodea; y experimenta con una amplia gama de combinaciones jugando con los brillos, los contrastes y todo tipo de efectos adaptados a la técnica de la acuarela.

Dibujar plantas con acuarela combina el placer de reproducir bellas formas orgánicas con la sorpresa de la impredecible magia de esta técnica pictórica. ¡Lánzate al arte botánico y déjate llevar! TÉCNICAS BÁSICAS Cómo mezclar verdes, trazar dibujos previos, preparar mezclas de color, pintar húmedo sobre húmedo… Aprende las técnicas de acuarela fundamentales en la ilustración botánica. 20 PROYECTOS PASO A PASO PARA DIBUJAR PLANTAS FANTÁSTICAS Desde frondosas hojas de helecho hasta espinosos cactus erizo, pasando por la irresistible Monstera deliciosa, las gráciles hojas de palmera o románticos ramos de flores secas, practica con numerosas formas botánicas, todas las gamas de verdes y hermosas paletas de color adicionales CREATIVIDAD Aprende a soltar el control del medio y a dejar que la pintura y el agua interactúen y decidan por su cuenta, sumérgete de lleno en el placentero proceso de creación en acuarela y lograrás obtener con orgullo tus propias láminas de arte botánico.

Explore las épocas turbulentas y las ideas revolucionarias que marcaron el arte a lo largo del siglo XX. Del surrealismo al Land Art, del Fluxus a la Bauhaus, esta obra divulgativa es la guía perfecta para conocer a los protagonistas y las obras que redefinieron el arte entre los años 1900 y 2000. Al considerar todas las disciplinas, incluidos fotografía y nuevos medios, esta magnífica enciclopedia cumple lo que promete en su portada

Una guía para pintar en todo momento y en todo lugar Es una guía de referencia inspiracional y fácil de utilizar para artistas que buscan expandir su horizonte de forma novedosa e interesante. Después de revisar un resumen general de las herramientas y materiales, aprende a encontrar inspiración y belleza donde sea y cuando sea. Descubre cómo organizar un bolso portátil en el que transportarás las herramientas para crear arte de forma instantánea, incluso cuando viajes. Las técnicas de pintura y dibujo básicas, los proyectos paso a paso fáciles de comprender y las instrucciones para usar cada material cuando estás fuera de tu estudio, demuestran lo simple que es dibujar y pintar sin mucha planificación previa. A través de estas páginas, descubrirás cómo pintar y esbozar en poco tiempo. Lo mejor es que aprenderás a hacerlo con una actitud relajada, incluso cuando los resultados no sean perfectos. No importa si sufres bloqueos creativos o si crees que encontrar la habilidad para hacer arte de forma más seguida es un problema… Solo siéntate, toma tu bebida favorita y prepárate para liberar a tu artista interior.

Una guía para ilustrar en todo momento y en todo lugar La ilustración es un arte que explica un concepto, un proceso o una historia. Puede tener un propósito, como ocurre con la ilustración científica de una molécula o una que complementa la historia de un libro de cuento ilustrado. También puede ser meramente decorativa, como el estampado de un cubrecama. Los ilustradores entregan sus propios puntos de vista sobre un tema: en vez de tomar una fotografía, escogen una técnica (dibujo, pintura, collage, etc.) y un estilo (abstracto, realista, extravagante, espontáneo, etc.) para representar una idea. La combinación de distintas técnicas y estilos permite que exista un sinfín de interpretaciones sobre un tema.

Las grandes obras de arte no pueden comprenderse con plenitud con solo verse una vez: para sacarle el máximo provecho al arte moderno y contemporáneo, vale la pena revisitarlo y reconsiderarlo, reflexionar y escudriñarlo en detalle. Comprender el contexto de las obras también resulta útil: qué ha sucedido antes de dichas obras, contra qué pueden estar reaccionando o qué pueden estar prolongando y cómo se relacionan con las nuevas tecnologías y con el pensamiento contemporáneo en lo tocante a temas tales como la política, la sexualidad, la identidad y la función del artista. Son 75 las obras de arte moderno y contemporáneo que aquí se analizan, desde La iglesia de Auvers-sur-Oise, de Vincent van Gogh, y Las señoritas de Aviñón, de Pablo Picasso, hasta Tres estudios para una Crucifixión, de Francis Bacon, y Sin título n.º 213, de Cindy Sherman. Abordando cada obra de arte como parte de una tradición que vincula la pieza más antigua con la más reciente, se traza en estas páginas el paso de la supremacía de la técnica artística al dominio más reciente de la idea subyacente a la propia obra de arte. Se trata de una esclarecedora, entretenida y accesible guía con la que adentrarse por una amplia variedad del arte moderno.

Una historia apasionante sobre la utilización del color en el arte que abarca sus múltiples significados, las teorías subyacentes a los usos de los colores, las teorías de la percepción de color, la creación y elaboración de los pigmentos (algunos tóxicos), su tráfico y comercialización y su influencia en los movimientos artísticos. El libro nos cuenta la historia y el significado de los colores en el arte. Se divide en 10 capítulos, cada uno dedicado a un color, desde el marrón/ocre hasta el negro. Cada capítulo se abre y cierra con citas de artistas referentes a ese color concreto. Todos los capítulos se estructuran en pequeños apartados en torno a una obra concreta. Estos apartados se ordenan cronológicamente y sirven para que el lector vaya construyendo poco a poco la apasionante historia del color en el arte. "El color y yo somos uno. Soy pintor", Paul Kle

Peligros (y recompensas) de la creación artística. Dedicarse a la creación artística no es tarea fácil. A menos que seas un genio -y los genios nacen cada cien años- hacer arte es una auténtica carrera de obstáculos en la que la realidad y tú mismo se interponen en el camino. Tener talento, pasar de la imaginación a la obra, contar con la aprobación de los demás, mantener hábitos de trabajo, ganarse la vida... Los miedos y situaciones propios del artista son muchos y cotidianos, y estas páginas los repasan a través de breves píldoras reflexivas que desactivarán tus bloqueos y pudores. Desde su propia experiencia como artistas, David Bayles y Ted Orland te ofrecen esta serie de reparadoras y estimulantes sesiones de terapia. Con ellas, por fin, podrás hacer arte sin miedo a peligros (y las recompensas) del mundo real.

En este juego de memoria, los participantes deben formar parejas de obras de arte del mismo autor. Así educará su mirada y sensibilidad para con el arte. Además, el juego despertará el interés por los diferentes artistas y en particular su estilo.

No existe sociedad que no haya producido arte. La representación y la decoración, al igual que la oralidad artística o la música, son inherentes al ser humano. Las formas que ha adoptado el arte han diferido radical, temporal y geográficamente bajo la influencia de diferentes circunstancias sociales y culturales. ¿Cuál era el propósito original de esas obras y cómo podemos entenderlas hoy? ¿Por qué el arte floreció en determinados períodos de la historia y no en otros? ¿Por qué algunas obras de arte son tan importantes? Este libro analiza en detalle las obras maestras que mejor representan cada período o movimiento, lo que permitirá al lector interpretar el significado de las obras maestras más famosas del mundo.

Una guía a través de un extraordinario recorrido por las imágenes más icónicas del mundo, las que nos encontramos al visitar una galería u observamos en la portada de una novela. Ordenado cronológicamente, traza la evolución del desarrollo artístico período a período. Todos los géneros artísticos, desde la pintura y la escultura hasta el arte conceptual y el arte de performance. No existe ninguna sociedad que no haya producido arte. La representación y la decoración, igual que la oralidad artística o la música, son tan inherentes al ser humano como la construcción de nidos los es a los pájaros. Las formas que ha adoptado el arte han diferido radical, temporal y geográficamente bajo la influencia de diferentes circunstancias sociales y culturales. ¿Cuál era el propósito original de esas obras de arte y cómo podemos entenderlas hoy? ¿Por qué el arte floreció en determinados períodos de la historia y no en otros? ¿Por qué algunas obras de arte son tan importantes? En el libro se analizan con detalle las obras maestras que mejor representan características definitorias de cada período o movimiento, lo que permitirá al lector interpretar como nunca antes el significado de las obras maestras más famosas del mundo. Si le gusta el arte y quisiera aprender a interpretarlo mejor, no tiene más que sumergirse en las trepidantes páginas de esta obra.

El motivo favorito y más permanente de Amedeo Modigliani fue la figura humana. Sus retratos de mujeres, en particular, transmiten su mirada comprensiva y altamente individual. Aunque su obra consiste principalmente en pinturas y dibujos, se dedicó exclusivamente a la escultura de 1909 a 1914. Modigliani tuvo poco éxito durante su vida, pero ganó gran popularidad y reconocimiento después de su muerte.

Editorial: taschen // para marc chagall (1887-1985) la pintura era un intricado tapiz de sueños, cuentos y tradiciones. con su vocabulario visual, reconocible al instante, chagall se forjó un lugar único en el arte de principios del siglo xx y fue, a menudo, identificado como una de las primeras expresiones de nuestra experiencia psíquica. los lienzos de chagall se caracterizan por sus pinceladas vagas, sus colores profundos, su particular inclinación por el azul y un repertorio de tropos recurrentes entre los cuales figuran músicos, gallos, azoteas, flores y amantes que flotan en el aire. rebosantes de encanto etéreo, sus composiciones solían estar plagadas de referencias complejas. en ellas combinó no sólo los colores y las formas, sino también sus raíces judías con su experiencia parisiense, las expresiones de fe con los gestos de amor, los símbolos de esperanza con los testimonios del trauma. esta fiel introducción al artista indaga en las múltiples versiones del rico vocabulario de chagall. a través de escenas de nacimiento, amor, matrimonio y muerte, valiéndose de imágenes de la torre eiffel o de escenas de vítebsk, su ciudad natal, esta obra rinde homenaje a la estética única, tan elegante a la vista como atractiva a la imaginación, de uno de los más reconocidos maestros de la modernidad y uno de los artistas judíos más influyentes de todos los tiempos.

Arte solitario Un ojo clínico para la alienación Edward Hopper (1882-1967) representa una historia de triunfo típicamente americana, si bien el éxito podría haberle sonreído antes. A los 40 años de edad, era un artista fracasado que no había conseguido vender ni un solo cuadro, hasta que, a punto de cumplir los 80, la revista Time lo sacó en portada. En la actualidad, transcurrido medio siglo desde su muerte, Hopper se considera un gigante de la expresión moderna, con un talento asombroso, inolvidable y absolutamente personal para captar ambientes y lugares. Gran parte de la obra de Hopper indaga en la experiencia de la ciudad moderna. Lienzo tras lienzo, retrata restaurantes, cafeterías, escaparates, farolas, gasolineras, estaciones de tren y habitaciones de hotel. Sus escenas se caracterizan por yuxtaposiciones de colores vivos y por una iluminación cruda y teatral; así como por figuras contorneadas con aspereza, que parecen integrarse en el entorno y, al mismo tiempo, ser ajenas a este. La ambientación en todo su repertorio urbano transmite desasosiego, alienación, soledad y tensión psicológica, mientras que sus escenas del entorno rural y litoral ofrecen un contrapunto de tranquilidad y optimismo. Este libro recoge las obras clave de Hopper con el fin de presentar a un artista clave no solo en la historia del arte estadounidense, sino en la psique de todo un país.

Editorial: taschen // la popularidad imperecedera de gustav klimt (1862-1918) atestigua no solo el particular atractivo de su exuberante pintura, sino también de los temas universales con los que trabajó: el amor, la belleza femenina, el paso del tiempo y la muerte. klimt, que era hijo de un orfebre, creó superficies de una ornamentada luminosidad similar a la de una piedra preciosa y muy frecuente en el arte japonés y egipcio. sus pinturas, murales y frisos se caracterizan por un color radiante, líneas fluidas, elementos florales y dibujos propios de mosaicos. aborda numerosos temas, que incluyen tanto la sensualidad y el deseo como la inquietud y la desesperación, en los que toda esa iridiscencia está también cargada de emoción. sus innumerables imágenes de mujeres con siluetas voluptuosas, pieles delicadas, labios carmesíes y mejillas sonrojadas destilaban pasión en un momento en el que un erotismo tan evidente aún era tabú para la sociedad vienesa de clase media alta. este libro presenta una selección de la obra de klimt que permite conocer su mundo pictórico de decoración y deseo, además de su influencia en futuros artistas.

Descubra detalles ocultos en retratos de poderosas figuras del pasado, desde la prostituta del siglo VI convertida en la emperatriz bizantina Teodora hasta el líder militar y famoso coautor de la carta más grosera de la historia, Ivan Sirko. Mitad detectives, mitad historiadores, Rose-Marie y Rainer Hagen diseccionan 13 obras maestras históricas en ensayos perspicaces, analizando sus detalles en reproducciones ampliadas.

Editorial: taschen // con sus escaleras imposibles o sus mosaicos hechos de pájaros, el artista holandés m. c. escher (1898-1972) creó un lenguaje gráfico único de rompecabezas, patrones singulares y pautas matemáticas. denso, complejo y construido sobre principios intrincados, su trabajo, decorativo y lúdico al mismo tiempo, juega continuamente con las ilusiones ópticas y las limitaciones de la percepción sensorial. para matemáticos y científicos, escher fue un genio. para los hippies, un pionero del arte psicodélico. nacido en leeuwarden (holanda) en 1898, las primeras obras de escher se centraron en la naturaleza y los paisajes, que expuso regularmente en holanda y con las que obtuvo un cierto reconocimiento internacional. sin embargo, fue durante un viaje al palacio de la alhambra, en granada (españa), en la década de 1920, cuando escher encontró el camino a seguir. dibujando los motivos decorativos nazaríes, escher quedó cautivado por la composición e interdependencia de sus formas. trabajando principalmente con litografías y xilografías, escher pasó a explorar la relación entre forma, figura y espacio con un entusiasmo casi obsesivo. se recreaba en los puntos de vista peculiares, la variedad de perspectivas, en la transición de la bidimensionalidad del papel al volumen ilusorio y en intricados rompecabezas matemáticos, como la cinta de moebius, un bucle aparentemente infinito que se retuerce y vuelve sobre sí mismo en una contorsión de imposibilidad física. este libro introductorio de la serie basic art 2.0 de taschen se adentra en la brillante mente de escher a través de sus obras clave, fruto de su continua investigación acerca de la imagen y la percepción. en el camino esperan peces mutando en pájaros, lagartijas que parecen escaparse de la página, reflexiones magistrales, laberintos infinitos y algunas de las imágenes más alucinantes del arte del siglo xx.

Whaam! Cuando lo hortera, lo banal y lo comercial se convirtieron en arte. El arte pop, que alcanzó su punto álgido en la década de 1960, surgió como una revolución contra las concepciones establecidas del arte y la cultura y acabó cuestionando todos los aspectos de la sociedad moderna, la cultura del consumo, el papel del artista y lo que constituye una obra de arte.Centrado en temas como el materialismo, la fama y los medios de comunicación, el arte pop bebió de fuentes del mercado del consumo, ya fueran imágenes publicitarias, cómics, rostros famosos de Hollywood o envases de artículos comerciales, epitomados estos últimos en las latas de sopa Campbells de Andy Warhol. Además de desafiar el establishment mediante el ensalzamiento de tales imágenes populares, banales y kitsch, el arte pop desplegó métodos de producción en serie y desdibujó el papel del artista

Esta práctica edición actualizada explora la Escuela de Arte y Diseño Bauhaus a través de 575 ilustraciones en 552 páginas, además de las biografías de sus figuras clave. Realizada en colaboración con el Bauhaus-Archiv de Berlín, esta obra de referencia está ahora disponible en edición Bibliotheca Universalis, la guía perfecta para su próximo viaje a Berlín, Weimer o Dessau.

Una hazaña épica Los intrépidos viajes, las batallas sangrientas y los entierros heroicos de las cruzadas francesas Terminado alrededor de 1474, el manuscrito primorosamente ilustrado de Sébastien Mamerot es el único documento contemporáneo que describe varios siglos de las cruzadas francesas, emprendidas por reyes sucesivos para conquistar Tierra Santa. Jean Colombe, el célebre iluminador medieval conocido sobre todo por su trabajo en Très Riches Heures du Duc de Berry, es el autor principal de estas 66 espléndidas miniaturas. Les Passages dOutremer (Las expediciones de ultramar) comprende 277 folios de pergamino, ilustrados por Colombe y los mejores calígrafos de la Edad Media, y actualmente se encuentra en la biblioteca nacional de Francia. Esta nueva edición en tapa dura en nuestro popular formato Klotz incluye la traducción íntegra del manuscrito y está ilustrada con 66 miniaturas a todo color de Jean Colombe, que reproducen con precisión el característico tono dorado medieval y se acompañan de pies de foto descriptivos. Las batallas, los entierros, las coronaciones y las procesiones representados en las ilustraciones cobran vida ante nuestros ojos y crean una imagen poderosa, así como una lectura convincente, de esta campaña secular de fervor religioso y viajes épicos que fueron las cruzadas. Sobre la serie: Bibliotheca Universalis Compañeros culturales en formato compacto para celebrar el universo ecléctico de TASCHEN a un precio popular imbatible. Desde que iniciáramos nuestra labor de arqueólogos culturales en 1980, el nombre de TASCHEN se ha convertido en sinónimo de edición accesible y amplia de miras. Bibliotheca Universalis reúne casi 100 títulos de nuestros clásicos favoritos en un nuevo formato más reducido y a un precio asequible para que pueda componer su propia biblioteca de arte, antropología y erotismo. Un placer para los sentidos del devorador de libros. ¡Imposible aburrirse!

Según muchos historiadores del arte, la aventura del arte moderno surgió en la década de 1870 en París, cuando un grupo de artistas, los impresionistas, empezaron a pintar con pinceladas rápidas e imprecisas. En vez de ampulosas escenas heroicas, retrataban la vida cotidiana y huían de la influencia del círculo tradicional de galeristas organizando sus propias exposiciones. Una vez superados los principios academicistas, nada les podía detener. En un constante deseo de desafiar, innovar e inspirar, los nuevos estilos artísticos se fueron sucediendo: simbolismo, expresionismo, futurismo, dadaísmo, arte abstracto, realismo renovado, surrealismo, expresionismo abstracto, pop art, arte minimalista y arte conceptual. Este compendio imprescindible ilustra la energía incontenible del arte moderno (desde 1870 a 2000) a través del análisis introductorio y la enumeración, año a año, de las más revolucionarias obras de arte, aquellas que, rompiendo barreras, pusieron en jaque a los cánones establecidos. Con descripciones detalladas de las obras y sus artistas y reseñas sobre los movimientos más relevantes e influyentes.

Sólo veinte pinturas y ocho dibujos pueden atribuirse con toda seguridad al pintor flamenco Hieronymus Bosch, El Bosco (aprox. 1450-1516), pero gracias a sus visiones fantásticas se ha convertido en uno de los artistas de culto más relevantes de la historia. Transcurridos 500 años desde su muerte, sus obras siguen siendo motivo de inspiración para investigadores, artistas, diseñadores y músicos, nombres de grupos de death metal y vestidos de diseño. Esta edición de la serie Bibliotheca Universalis ofrece el universo inquietante de El Bosco al completo en un formato compacto. Con desplegables y una atención especial por los detalles, conocemos las facetas compositivas del artista y las creaciones más fascinantes e inquietantes salidas de su desbordante imaginación. Estas páginas reviven sus seres híbridos, sus escenas dantescas, su contexto religioso y moral, y sus versiones pictóricas de refranes y modismos. La sucesión de imágenes se complementa con los textos de Stefan Fischer, historiador del arte y experto en la figura de El Bosco, que desvela al lector los temas y las influencias más relevantes de estas obras de arte crípticas e hipnotizantes.

Este libro constituye un fantástico documento gráfico de las flores cultivadas en el jardín alemán más importante de su época, el Hortus Eystettensis, único en su género por la amplia gama de flores. Un total de 367 grabados en lámina de cobre de Basilius Besler (1561-1629), que se publicaron por primera vez en 1613, ilustran la espectacular diversidad vegetal de los espacios verdes del palacio del príncipe-obispo Johann Konrad von Gemmingen (1593/1595-1612) en Eichstätt, Baviera (Alemania). Las minuciosas ilustraciones se distribuyen en función de las cuatro estaciones del año y, siguiendo el sistema de clasificación actual, muestran plantas que pertenecen a un total de 90 familias y 340 géneros. En su conjunto, la colección es considerada uno de los tesoros más refinados de la literatura botánica. El mítico Carlos Linneo, experto en la materia y zoólogo del siglo XVIII, la describió como una obra incomparable. El catálogo gráfico de Besler ha perdurado en el tiempo más allá de los propios jardines, destruidos en 1634 por tropas invasoras suecas durante la Guerra de los Treinta Años. El precio de salida en subasta de una primera edición del Hortus Eystettensis supera actualmente el medio millón de dólares. Con esta edición, TASCHEN abre las puertas del este tesoro vegetal a un público mucho más amplio. Un documento exquisito y admirable, referencia de todo jardín esplendoroso.

Déjese hechizar por Gustav Klimt. Un siglo después de su muerte, el artista sigue sorprendiendo con su desvergonzado erotismo, sus deslumbrantes superficies y su experimentación artística. Maestro del arte vienés de finales del XIX y pionero del movimiento secesionista, Klimt creó un deslumbrante legado de tonos suntuosos y texturas de pan de oro, que incluye obras tan célebres como El beso y La dama dorada.

Autor: Melanie Trede Utagawa Hiroshige (1797-1858) fue uno de los últimos grandes artistas de la tradición japonesa del ukiyo-e. La palabra significa literalmente «pinturas del mundo flotante» y designa un género artístico que floreció entre los siglos xvii y xix y simbolizó la imagen de Japón en el mundo occidental. Las escenas del ukiyo-e, que en muchos aspectos eran de tipo hedonista, representaban a menudo la brillante luminosidad y las atracciones de Edo: mujeres hermosas, actores y luchadores de sumo, la vida urbana y panorámicas espectaculares. Pese a abarcar una gran variedad de temas, Hiroshige se hizo famoso sobre todo por sus paisajes. De hecho, su obra maestra fue una serie de grabados conocida como Cien famosas vistas de Edo (1856-1858), que reproduce varias escenas de la ciudad en el curso de las estaciones, desde las animadas calles comerciales hasta las espléndidas huertas de cerezos. Esta reimpresión está compuesta por una de las mejores series de xilografías originales completa perteneciente al Ota Memorial Museum of Art en Tokio. Cada una de las 120 ilustraciones viene acompañada por una descripción que permite a los lectores sumergirse en estas hermosas y vibrantes vistas que se convirtieron en paradigmas del japonismo e inspiraron por igual a artistas impresionistas, postimpresionistas y del art nouveau, desde Vincent van Gogh hasta James McNeill Whistler.

Uno de los seres humanos más completos jamás conocidos, Leonardo sigue siendo el genio del Renacimiento por excelencia. Y el autor de algunas de las pinturas más famosas del mundo. Este libro las descubre todas, desde la Mona Lisa a La última cena. Junto al volumen de nuestra Bibliotheca Universalis sobre su obra gráfica, todas las claves de Leonardo ya a su alcance.

Esta obra resulta básica para entender las obras maestras de la historia del arte, ya que pone bajo la lupa algunos de los lienzos más famosos del mundo para descubrir sus elementos más pequeños y sutiles, y todo lo que pueden llegar a revelar sobre una cultura, un lugar y una época ya pasados. Dirigiendo nuestra mirada a los más mínimos detalles y al simbolismo que hay tras las obras, Rose-Marie y Rainer Hagen permiten que las imágenes más conocidas cobren de nuevo vida a través de sus complejidades e intrigas. ¿Está embarazada la novia? ¿Por qué lleva gorra el hombre? ¿Cómo se cierne la sombra de la guerra sobre una escena de baile? Así, viajamos desde el antiguo Egipto hasta la moderna Europa, desde el Renacimiento hasta los alocados años veinte. Conocemos a héroes griegos y poetas alemanes sumidos en la pobreza. Visitamos catedrales y clubes de cabaret, el jardín del Edén y un banco en un jardín de la Francia rural. Cuando descomponemos una pintura y luego la recomponemos como un gran rompecabezas, estos famosos lienzos no solo cautivan por su gran riqueza de detalles, sino también por el testimonio que ofrecen de las modas y las tendencias, las gentes y los políticos, los amores y los estilos de vida de su época.

Biográfico Kahlo es una interesante biografía en la que vemos desfilar la vida, obra y legado de la artista mexicana magdalena carmen Frida Kahlo calderón de una manera visual gracias a la Editorial cinco tintas. es de sobra conocido que Frida Kahlo (1907-1954) fue una artista mexicana que vivió en la célebre casa azul y pintó las dos Fridas. lo que quizás no se sepa es que 55 de sus 143 obras de arte son autorretratos; que su pintura dos desnudos en el bosque (la tierra misma) ostenta el récord de la obra de arte latinoamericana más cara de la historia (se vendió por 8 millones de dólares en 2016); que se casó dos veces con su marido o que llegó en ambulancia a su primera exposición en solitario en méxico. biográfico Kahlo ofrece una mirada moderna a su vida y a su obra, mediante una serie de datos y cifras impactantes convertidos en atractivas imágenes que revelan a la artista que subyace tras las obras de arte. todo esto y mucho más en esta biografía parte de nuestra colección biográfico.

Biográfico Leonardo es una interesante biografía de Leonardo Da Vinci en la que vemos desfilar la vida, obra y legado del afamado polímata italiano creador de la mona lisa o la última de una manera visual gracias a la Editorial cinco tintas. es de sobra conocido que Leonardo Da Vinci (1452-1519) fue una de las mayores mentes creativas del renacimiento, además del creador de la mona lisa y de la última cena. lo que quizás no se sepa es que Bill Gates compró por 30 millones de dólares su cuaderno de notas original, el Codice Leicester; que era ambidiestro, con tendencias paranoides y disléxico, y que era capaz de escribir del derecho con una mano mientras, simultáneamente, escribía del revés con la otra, o que inventó un coche blindado, un barco volador y las lentes de contacto. biográfico leonardo presenta una ingeniosa biografía / guía de su vida y su obra, mediante una serie de datos y cifras impactantes convertidos en atractivas imágenes que revelan al maestro que subyace tras las obras maestras.

Este libro es una auténtica enciclopedia visual del bordado, la guía más completa de una de las labores más bellas y populares. Marie Suarez ha hecho una selección exhaustiva de puntos y técnicas, y nos invita a compartir y mantener vivo este arte milenario. Incluye más de 150 puntos clasificados por técnicas, tradiciones y estilos: puntos de cruz, bordado suizo, vainicas, puntos de encaje, calados, Hardanger, bordado rojo, pintura a la aguja… A esto se suman más de 1000 fotos en color con las instrucciones numeradas paso a paso para realizar cada punto sin posibilidad de perderse, además de materiales, herramientas y muestrario con 14 proyectos de labores para conocer los hilos y tejidos básicos.

Una introducción centrada sobre todo en el arte occidental y que aborda muchos de los movimientos, estilos y aportes más importantes del arte desde la prehistoria hasta la actualidad. Se brindan análisis de algunas de las obras artísticas más importantes producidas por los creadores más revolucionarios y se ocupa de muchos de los temas, materiales y métodos de los artistas. Se explora una gran variedad de invenciones, ideas, influencias y enfoques de artistas de todas las épocas. Una nueva e innovadora introducción, por tanto, a la cuestión del arte. Se analizan cincuenta obras clave, desde las pinturas rupestres de Lascaux hasta las instalaciones contemporáneas, y se relacionan con los movimientos, los temas y las técnicas más importantes del arte.

Este libro es una nueva e innovadora introducción a la cuestión del arte moderno y contemporáneo que examina 50 obras clave a partir de un gran número de imágenes representativas, revelando las distintas técnicas que se emplearon para crearlas. Además, desmitifica la jerga técnica y proporciona a los lectores una profunda comprensión y un amplio disfrute del arte moderno y contemporáneo, desde finales del siglo XIX hasta la actualidad. El libro se divide en cuatro capítulos: Movimientos, Obras, Temas y Técnicas, dando a conocer cómo y por qué se desarrolló el arte moderno, quién introdujo innovaciones, en qué consistieron y dónde y cuándo tuvieron lugar.

Descubra la obra completa de Pieter Bruegel el Viejo, el artista más destacado de la pintura renacentista flamenca. En conmemoración del 450 aniversario de su muerte y de su primera exposición monográfica en el Museo de Historia de Viena, esta monografía tamaño XXL reúne sus 40 pinturas, 65 dibujos y 89 grabados, que ofrecen una visión excepcional de las costumbres religiosas y su estrecha relación con la cultura popular de la época.

La figura de Caravaggio (1571-1610), o para ser exactos, Michelangelo Merisi da Caravaggio, siempre estuvo rodeada de controversia. El notorio rebelde de la pintura italiana fue a la vez alabado y temido: era colérico y creativo, un artista revolucionario y una persona combativa. Este libro ofrece una revisión exhaustiva de toda la obra de Caravaggio con un catálogo razonado de sus cuadros. Todas las pinturas están reproducidas en gran formato y, gracias a las recientes técnicas fotográficas, es posible ofrecer primeros planos espectaculares que plasman ingeniosos detalles, como miradas y gestos que se asemejan a puestas en escena cinematográficas. Los cinco capítulos introductorios analizan la carrera artística de Caravaggio, desde sus primeros esfuerzos por ganarse la vida, pasando por los triunfales encargos públicos en Roma, hasta sus dramáticos últimos años en Nápoles, Malta y Sicilia. Se analiza su osado naturalismo y sus revolucionarias innovaciones pictóricas, que hacían posible que incluso los sucesos bíblicos se revelaran con una inmediatez sin igual ante el espectador. El libro se complementa con una cronología del artista que revela los entresijos de la tumultuosa vida personal de Caravaggio.

Estas obras paradigmáticas de la ilustración de manuscritos de entre el siglo IV y el XVII poseen un valor incalculable y, hasta hoy, solían guardarse a buen recaudo en colecciones privadas o archivos bien custodiados. Descubra algunos de los más exquisitos e importantes manuscritos de la Edad Media en esta colección de brillantes reproducciones en gran formato, completada con un apéndice de 36 páginas que incluye las biografías de los artistas, un índice y un glosario. Desde El libro de Kells hasta el Decamerón de Boccaccio, pasando por El Génesis de Viena o La Divina Comedia de Dante, abrir Codices illustres es como abrir la puerta a un mundo privado muy valioso. Disponible en un nuevo formato, este libro radiante acerca al lector a 167 de los manuscritos más bellos e importantes de la Edad Media. Estos paradigmas de las miniaturas y las iluminaciones de los siglos IV al XVII, presentadas con magníficas reproducciones en gran formato, pertenecieron a algunos de los personajes más ilustres de la historia. Considerados auténticos tesoros de la historia del arte, valen su peso en oro y suelen guardarse a buen recaudo en colecciones privadas o archivos custodiados con grandes medidas de seguridad. Hasta hoy. Aunque la colección se centra en los manuscritos europeos, también se han seleccionado ejemplares mexicanos, persas e indios que muestran el refinamiento y la complejidad de la ilustración de culturas ajenas a la europea. Una sinopsis detallada de cada manuscrito orienta el lector, mientras que un apéndice de 36 páginas reúne las biografías de los artistas, así como una extensa bibliografía, un índice y un glosario de términos técnicos.

¿Le faltan palabras frente a un cuadro?¿Quisiera interesar a los niños en el arte? Este es su libro. 30 obras de arte comentadas en este volumen desde el Renacimiento hasta el siglo XXI, con un sencillo lenguaje dirigido a los niños de distintos grupos de edades, desde los cinco años hasta la adolescencia le guiarán para estimular su interés por el arte.

El talento creativo ni es innato ni depende de la inspiración y las musas, sino que consiste fundamentalmente en saber hacer conexiones entre cosas, ideas o conceptos que aparentemente no tienen nada que ver. Así lo demuestra la neurociencia y así lo recogen Dorte Nielsen y Sarah Thurber en esta increíble guía teórico-práctica destinada a entrenar tu creatividad. Con ella aprenderás a detectar y a hacer conexiones que a los demás les pasan por alto y, por tanto, a dar ese salto cualitativo que permite idear cosas nuevas e insólitas. Un libro con un enfoque práctico y una sólida base teórica que incluye: Las claves del pensamiento creativo. Los últimos descubrimientos en neurociencia sobre las conexiones mentales. Retos y ejercicios prácticos para entrenar tu creatividad.

Un divertido libro de actividades para pequeños grandes artistas, obra de Jess Smart Smiley, dibujante y un apasionado de la narración gráfica que ha enseñado a cientos de niños, adolescentes y adultos a crear sus primeros cómics. A través de esta divertida aventura protagonizada por el oso Zarza y su amiga la tortuga Cacahuete nos enseña todos los trucos para crear, guionizar y dibujar, paso a paso, nuestros propios cómics.

¿Así que quieres ser un súper artista? Bien, estás en el lugar correcto porque este libro te ayudará a pintar como Pollock, dibujar trazos como Duchamp o realizar obras de arte como Kahlo, en un tiempo mínimo. ¿No sabes quiénes son? ¡Pronto lo sabrás! En este libro encontrarás obras de arte de los artistas más sobresalientes del mundo, que a menudo actúan de una forma más loca que los propios niños. Todo lo que has de hacer es observar las obras, leer un poco sobre lo que las hace ser tan excelentes y, a continuación, canalizar el genio artístico de tu interior para crear tus propias obras maestras. A lo largo del camino también te presentaremos unos "consejos para genios" que te ayudarán a conseguir la excelencia artística.

La comida y el surrealismo son amantes perfectos: sexo y langostas, collage y canibalismo, el encuentro de un cisne y un cepillo de dientes en una pastelería. Las cenas opulentas que organizaban Salvador Dalí (1904-1989) y Gala (1894-1982), su mujer y musa, fueron legendarias. Afortunadamente para nosotros, Dalí publicó un libro de cocina en 1973, Les diners de Gala, que desvela algunos de aquellos ingredientes sensuales, imaginativos y exóticos que confluían en tan célebres encuentros. Esta reimpresión agrupa las 136 recetas en 12 capítulos, ilustrados especialmente por Dalí y organizados en función de los distintos platos, así como una sección dedicada a los afrodisíacos. Las ilustraciones y las recetas se acompañan de las extravagantes reflexiones de Dalí cual asuntos tratados en las conversaciones durante las cenas: "La mandíbula es nuestra mejor herramienta para aferrarnos al conocimiento filosófico". Todas las valiosas recetas del libro pueden prepararse en casa, aunque en algunos casos se requiera buena mano en la cocina y una despensa bien surtida. Son platos de la vieja escuela, con especialidades de los mejores chefs franceses de restaurantes de París condecorados con estrellas Michelin como Lasserre, La Tour dArgent, Maxims y Le Train Bleu. El buen gusto, por voluptuoso que sea, nunca pasa de moda. Y dando a conocer al gran público este libro excepcionalmente raro, TASCHEN aporta una obra de arte, un recetario práctico y una experiencia multisensorial a la cocina actual.

El estudio más completo hasta la fecha de la obra pictórica de Salvador Dalí. Después de años de investigación, Robert Descharnes y Gilles Néret localizaron obras que habían permanecido inaccesibles, ejemplos paradigmáticos de las representaciones de Dalí del subconsciente y de su misterioso funcionamiento. Esta lujosa edición, actualizada con nuevos pies de foto, relaciona las pinturas de Dalí con sus propios escritos, dibujos y material de archivo.

Dalí posa como el Mago, su esposa Gala se convierte en la Emperatriz y la muerte de Julio César se reinterpreta como el Diez de Espadas en la extraordinaria baraja de tarot diseñada por el artista. Publicado por primera vez en 1984 en una edición limitada agotada desde hace tiempo, este lujoso estuche recupera la baraja completa de 78 cartas en deslumbrantes colores. Incluye un cuaderno sobre la elaboración del proyecto e instrucciones prácticas.

¿Se ha preguntado alguna vez cómo se creó el estampado del papel pintado que observa? ¿Se ha quedado sorprendido por el valor incalculable del arte celta? ¿Se ha sentido abrumado por un precioso diseño islámico? ¿Se ha parado a pensar en la apariencia de realidad que nos proporcionan los sentidos? ¿Ha prestado atención a las simetrías que avisan a nuestros sentidos de lo que parece correcto? ¿Existe algún secreto áureo, revelado por la propia naturaleza, que tengan en común todas las artes tradicionales?. Lleno de información, con exquisitas ilustraciones seleccionadas por más de doce autores expertos, DESIGNA es la fuente definitiva de inspiración para artistas visuales y todo tipo de diseñadores.

Dibujar es una actividad maravillosa y, además, ¡es bueno para ti! Los estudios han demostrado que el dibujo mejora la creatividad, la memoria, las habilidades de comunicación y la capacidad para resolver problemas. Además de desarrollar la destreza física y la coordinación cerebro/mano, dibujar también proporciona alivio del estrés, es un escape para las emociones e incrementa tu inteligencia emocional. Dibuja 62 personajes y hazlos divertidos te invita, de manera entretenida, a desarrollar tus habilidades de dibujo. Utiliza este libro como guía para comenzar a practicar y crear tus propios personajes, siguiendo las ilustraciones paso a paso que la autora, Heegyum Kim, entrega en cada una de estas páginas. Comenzaremos por las formas básicas, seguiremos con las características de identificación y, por último, exploraremos los atributos faciales que darán vida y personalidad a cada uno de los personajes. Puedes verlos desde una perspectiva diferente al cambiarles su postura, su actividad o expresión. Algunos de ellos son antropomórficos, otros zoomórficos, varios tienen profesiones u oficios —como Carlos el cartero o Helga la granjera—, pasiones e incluso malos hábitos. ¡No seas tímido! Toma un lápiz y usa los espacios libres para crear tus propias versiones de los personajes que tengas en mente. Recuerda, ¡la mejor manera de progresar en el dibujo es dibujando!

En las décadas de 1920 y 1930, el artista francés Robert Lambry (1902-1934) creó una serie de encantadoras lecciones paso a paso para dibujar animales para un semanario infantil. Más tarde se recopilarian en el libro Les animaux tels qu'ils sont (Los animales tal cual). Y ahora, casi un siglo después, estos bonitos dibujos lineales te ayudarán a perfeccionar tu arte. Lambry desglosa el proceso de dibujar animales realistas en una serie de líneas y formas sencilla, lo que te permitirá recrear incluso las criaturas más complejas en unos pasos. No podrás resistir la tentación de tomar el lápiz, seguir estos elegantes ejemplos y aprender a dibujar cualquier animal al estilo de Lambry. Incluye indicaciones y páginas para practicar.

El dibujo con rotulador de punta fina es un género en sí mismo, con un increíble potencial expresivo que los ilustradores contemporáneos han sabido explorar con sorprendentes resultados. Este libro, que sigue la fórmula de los celebrados títulos Dibujar, Acuarela y Dibujo del natural, nos enseña cerca de 90 recursos y efectos del dibujo con punta fina, como el sombreado o el juego con texturas, a partir de la obra de algunos de los artistas más reconocidos del momento. Ordenado en cuatro modalidades —línea, plumeado, punteado y técnicas mixtas—, no solo te servirá como catálogo práctico de técnicas, obras y estilos, sino que se convertirá en guía imprescindible y desafiante estímulo para tu creatividad.

Si quieres aprender a dibujar plantas y animales, pero no sabes por dónde empezar, ¡este es tu libro! Dibujar en 10 pasos: Animales y plantas, te ayudará a transformar sencillas formas geométricas en hermosas ilustraciones en tan solo 10 pasos. Sigue las instrucciones para crear 60 maravillas de la naturaleza, como ores, árboles, animales y otros elementos relacionados: desde el nido de un pájaro hasta un gracioso ratoncito. ¡Aprender a dibujar nunca había sido tan fácil!

Si quieres aprender a dibujar personas, pero no sabes por dónde empezar, ¡este es tu libro! Dibujar en 10 pasos: Personas, te ayudará a transformar sencillas formas geométricas en increíbles figuras humanas y retratos en solo 10 pasos. Primero te enseñaremos a trazar rasgos faciales y partes del cuerpo, para continuar con instrucciones paso a paso de 30 retratos únicos e inspiradores. ¡Aprender a dibujar nunca había sido tan fácil!

Este práctico y completo método de dibujo detalla de manera amena y sencilla mediante más de 1000 ilustraciones cómo, armados con papel y lápiz, artistas grandes y pequeños pueden conseguir crear criaturas salvajes de la jungla y la estepa, minúsculas hormigas, impresionantes dinosaurios, nobles caballeros y malvados villanos a partir de óvalos, círculos, triángulos y cuadrados. Con este libro aprenderás: -Las técnicas básicas de dibujo: esbozo, sombreado y punteado. -Cómo valerte de estructuras, patrones, sombras y líneas de todo tipo para dotar de vida y originaleidad a tus dibujos. -Que la perspectiva no es tan difícil de aprender a dibujar, y la profundidad y tridimensionalidad que aportará a tus dibujos. -Trucos y consejos para dibujar, por ejemplo, ruedas de coche, dominar las proporciones y la anatomía del cuerpo humano y animal, y crear escenarios llenos de realismo. -Lo divertido que puede llegar a ser crear un mundo de fantasía. -Todo sobre los animales, insectos y dinosaurios representados, descritos en breves textos introductorios.

* Descubra su talento como artista con este libro que le proporcionará una nueva y original perspectiva. * La artista Sarah Simblet le revelará los secretos del dibujo mediante la combinación de una guía práctica, de su propia obra (que le servirá de inspiración) y de la exploración de algunos de los dibujos más reconocidos en la historia del arte. * Además, le conducirá paso a paso a través del emocionante mundo del dibujo y le mostrará cómo trasladar al papel el motivo de su inspiración, desde naturalezas muertas y animales hasta el cuerpo humano y la arquitectura. La combinación única que hace Sarah, de enseñanza práctica y conocimiento del dibujo clásico y contemporáneo, le inspirarán para desarrollar un estilo propio. Aprenda a crear un cuaderno de dibujo personal con todo tipo de temas y la utilización de una amplia gama de medios, desde pluma y tinta hasta lápiz y plata. Sienta la inspiración y dibuje el mundo que le rodea ayudado por esta guía pensada para artistas de todas las habilidades y capacidades.

Con más de 600 bocetos que representan una amplia gama de hermosas formas de animales, caras detalladas y más, es un libro de referencia visual imprescindible para estudiantes artistas, ilustradores científicos, dibujantes urbanos y cualquier persona que busque mejorar Sus habilidades de dibujo realistas.

Con más de 600 bocetos que representan una amplia gama de expresiones humanas, movimientos y más. 100 Caras y figuras humanas es un libro de referencia visual imprescindible para estudiantes artistas, ilustradores, dibujantes, dibujantes urbanos y cualquier persona que busque mejorar sus habilidades de dibujo realistas. Cada conjunto de ilustraciones le conduce desde las líneas de boceto iniciales hasta un dibujo terminado.

Este completo libro presenta más de 600 bocetos paso a paso que representan una amplia gama de hermosos productos botánicos, florales, estructuras vegetales y más. Cada uno comienza con formas y líneas simples y se basa en esas formas, agregando detalles como centros de flores, vetas de hojas y sombreado de pétalos, y terminando con un dibujo terminado.

Exposiciones taquilleras, subastas astronómicas, museos abarrotados... El impresionismo sigue siendo firme candidato al título de período pictórico favorito en todo el mundo. Sus temas preferidos, desde escenas portuarias y días de verano hasta animados salones y jardines parisinos, rebosan optimismo y alegría de vivir. Aquellas obras que en su momento se desecharon por considerarlas incompletas o imprecisas hoy son muy apreciadas por su evocación atmosférica del tiempo y el espacio, así como por la elegancia artística de las rápidas pinceladas que cubren los lienzos.

A lo largo de su breve vida, el artista austriaco Egon Schiele (1890-1918) dejó un turbulento y ardiente rastro expresionista. Fue un niño prodigio, un joven rebelde y un provocador empedernido que causó un gran revuelo entre el establishment artístico con su erotismo explícito de líneas retorcidas y cuerpos distorsionados. Aun hoy continúa sorprendiendo con sus autorretratos impávidos y sus sujetos desnudos.En este extenso libro XXL, examinamos el catálogo completo de sus pinturas entre 1909 y 1918. Las cerca de 600 obras incluidas muestran como el artista se deleitaba con la conmoción y la libertad estilística, y abandonó la figuración clásica por una fisicalidad exagerada y distorsionada que plasmaba la verdad sexual y emocional. Sus sujetos resultan alargados, angulares y desfigurados. Con costillas que sobresalen, extremidades contorsionadas y piel enfermiza, el cuerpo se convierte en el foco de la angustia. El único alivio temporal de Schiele es la promesa de sexo. Schiele dejó al descubierto los genitales como ningún otro artista de principios del siglo XX y fue el autor tanto de algunas de las representaciones de vaginas más francas de la historia del arte occidental como de escenas de masturbaciones y sexo lésbico.Estas deslumbrantes obras, más de 200 pinturas y 150 dibujos y acuarelas muchas de las cuales han sido fotografiadas nuevamente, se presentan junto a datos biográficos, textos de expertos, así como escritos y poemas del propio Schiele. Ofrecen un acceso íntimo a las ideas tras su obra y a su extraordinaria influencia en incontables maestros del siglo XX, desde Francis Bacon y Otto Muehl hasta Julian Schnabel, David Bowie y Tracey Emin.

Un pájaro monstruoso que devora a los pecadores, cuerpos desnudos contorsionándose en posturas tántricas, un par de orejas blandiendo la hoja de un cuchillo: con tan solo 20 pinturas y 9 dibujos a su nombre, el visionario holandés Hieronymus Bosch (aprox. 1450-1516) se ha asegurado su lugar como pilar en la historia del arte. A día de hoy, el pintor por excelencia del infierno y sus demonios continúa sorprendiendo y cautivando a expertos en pintura, artistas, diseñadores y músicos por igual.

Escrito en 1966, El arte como oficio se ha convertido en el gran ensayo clásico de entre todos los que escribió Bruno Munari. Este libro es un valioso y singular intento por situar la importancia de los “nuevos productores de formas” del mundo contemporáneo en relación con el arte y con la experiencia personal de nuestra vida cotidiana. Con ello, Munari logra hacernos observar de una manera activa y tomar conciencia del mundo formal que nos rodea al tiempo que pone en valor la labor de los diseñadores, personajes que no solo se erigen como responsables de la creación de objetos funcionales y estéticos, sino que ejercen de auténticos moldeadores “democráticos” del gusto. Repleto de ejemplos y referencias a nuestra vida diaria, esta obra nos invita constantemente a detenernos y a repensar las formas que nos rodean, introduciéndonos a las grandes cuestiones teóricas de las disciplinas del diseño y la creatividad.

Un nuevo formato para El arte como terapia, el libro que responde a la pregunta ¿Para qué sirve el arte? Una historia del arte desde un punto diferente. Cautivador, entretenido y un poco controvertido, El arte como terapia contiene 150 ejemplos de obras maestras del arte, el diseño y la arquitectura distribuidos en capítulos sobre el Amor, el Dinero y la Política que nos enseñan cómo el arte puede ayudarnos con las dificultades diarias en nuestras relaciones, en la búsqueda de la felicidad y en cómo hacer las paces con la idea de nuestra propia mortalidad. Este libro busca la forma de desarrollar un mejor conocimiento del arte y de nosotros mismos. Tras su lectura, miraremos a las obras de arte desde otra perspectiva que nos hará disfrutarlas más.

En el dibujo lineal se combinan líneas finas y trazos gruesos para crear todo tipo de ilustraciones, desde arte tradicional básico hasta dibujos más sofisticados. El arte empieza con una línea es un libro con el cual artistas de todos los niveles aprenderán a dibujar casi cualquier cosa a partir de líneas simples y formas básicas. Después de una breve introducción sobre las herramientas y los materiales necesarios y de una selección de ejercicios preparatorios, te enseñará a crear una gran variedad de elementos divertidos y únicos, desde cenefas, banderolas, plantas y flores hasta animales, obras arquitectónicas, paisajes urbanos y mucho más. Gracias a las sencillas lecciones paso a paso, los ejercicios prácticos y los consejos profesionales, el proceso de aprendizaje se convierte en una actividad amena y fácil. Además, todas las ideas que propuestas para pintar las ilustraciones, ya sea con rotuladores, tinta, lápices de colores o herramientas digitales, ayudan a estimular aún más la creatividad. Este manual, de formato accesible y diseñado para enseñar e inspirar, ofrece todo lo que uno necesita saber para dominar el arte del dibujo lineal, tanto si el objetivo es divertirse como si es llegar a ilustrar una obra maestra original.

Y otros 49 superpoderes para convertirse en un héroe creativo En el día a día del creativo hay proyectos que se encallan, bloqueos mentales difíciles de desactivar, buenas ideas que no acaban de cuajar… Son situaciones de estancamiento que requieren técnicas y recursos para lograr salir airoso de ellas. Y esto es precisamente lo que recoge este libro: 50 superpoderes creativos para hacer de cada crisis una oportunidad de replanteamiento ingenioso e innovador. A través de deliciosos relatos breves provenientes de mitos e historias reales de todos los tiempos, Dominik Imseng pone a nuestro alcance algunas estrategias que nos permitirán aprender a identificar nuestras propias carencias para convertirlas en auténticos superpoderes. ¿Estás preparado para gritar “¡Ya lo tengo!”?

El color es pigmento e ilusión visual, materia y cognición. Este libro presenta una serie de experimentos y ejercicios para explorar las posibilidades del color a partir de esta doble naturaleza. Con su habitual estilo ameno e instructivo, Peter Boerboom y Tim Proetel comparten un sinfín de técnicas, recursos y efectos gráficos como la transparencia, las veladuras, las gotas o el ritmo para que principiantes y profesionales descubran el potencial expresivo de la materialidad del color y sus efectos en nuestra percepción visual. Un compendio práctico que rápidamente se convertirá en el aliado indispensable para la experimentación visual. Peter Boerboom y Tim Proetel , formados en arte en la Akademie der Bildenden Ku?nste de Múnich, se dedican a la creación plástica desde múltiples vertientes, entre otras el arte, la fotografía y la didáctica.

Cada una de las técnicas se explica en detalle, desde el desarrollo de la matriz de impresión hasta la configuración de la prensa y la selección de las tintas correctas para dibujar el motivo. Las claras ilustraciones paso a paso, las entrevistas a artistas contemporáneos y una amplia selección de imágenes que muestran las tecnologías de impresión más vanguardistas hacen de este libro una solución inspiradora. La inclusión de los procesos digitales, la preparación del estudio de impresión, las técnicas de resolución de problemas y la completa lista de recursos lo convierten en una práctica obra tanto para los que se inicien en estas técnicas como para los que ya tengan experiencia.

La mitología clásica es como la radiografía de la mentalidad y la visión del mundo de las personas que están en la base de nuestra civilización. Cada mito nos transmite un mensaje, una experiencia concreta de sufrimiento o de placer, que se repite eternamente y que consigue que su valor alcance también a los hombres y a las mujeres de la actualidad. Quien conoce bien la mitología clásica tiene acceso al alma del hombre antiguo desde donde se arma de mayores instrumentos para entender también el mundo actual, que por medio de películas y comics, sigue nutriéndose continuamente, más o menos encubiertamente, de las historias que nuestros antiguos se contaban a sí mismos. La mitología también es la respuesta popular a las grandes incógnitas de la filosofía. Responde a la pregunta de cómo se formó la vida, de cuando empezaron a existir los seres humanos, de qué nos aguarda tras la muerte, de cuál es el modo más correcto de comportarse en sociedad y ante la divinidad. También responde a la curiosidad sobre el mundo que nos rodea: por qué esa montaña, ese río, esa ciudad recibió el nombre y la forma que tiene; por qué existen los maremotos, las tormentas, los rayos, qué provoca los eclipses, cuál es el motivo del ciclo de las estaciones, qué representan las constelaciones, e incluso por qué gobierna esta o aquella familia, cuál es la causa de su legitimidad.

¿Qué diferencia a un artista de otro? ¿Qué te diferencia a ti del resto? Para un artista, poseer una voz única y personal lo es todo. Tu voz conforma el universo simbólico y estilístico que te distingue como creador y es, al mismo tiempo, tu tarjeta de presentación, lo que permite a quienes ven tu obra, ya sea en un museo o en las redes sociales, reconocerte como su artífice, pero desarrollar una estética única y personal requiere trabajo, tenacidad y claridad de visión. La ilustradora Lisa Congdon comparte en esta guía todos sus conocimientos y experiencias como artista para ayudarte a encontrar tu identidad creativa. A través de breves píldoras reflexivas, consejos prácticos e interesantes entrevistas a una gran variedad de artistas de primera línea, averiguarás la importancia del estilo, la destreza, la gestión de las influencias, la rutina, la experimentación, la vida social y todo aquello que contribuye al desarrollo de una personalidad artística plena y genuina.

El arte se oculta a menudo detrás de una jerga alienante y sin sentido que lo aleja de nuestras realidades e inquietudes. En este breve texto, Dana Arnold supera los enfoques tradicionales de las introducciones al arte para partir de las motivaciones más esenciales del artista, con las que, como seres humanos, podemos sentirnos totalmente identificados. Compañero ideal para iniciarse en la comprensión del arte, este libro logra invertir nuestra mirada y nos reformula este universo desde un nuevo enfoque, accesible y estimulante.

A través del análisis de diferentes obras de artistas y colectivos contemporáneos, como Doris Salcedo, Alfredo Jaar, Gabriel Orozco, Ernesto Neto y Sara Malinarich, l el libro aborda el panorama de diversas tendencias artísticas vigentes entre los años setenta y la actualidad, que incluyen desde acciones de arte hasta el uso de tecnologías de punta. Las autoras han empleado un lenguaje simple, un método didáctico y ejemplos concretos, para explicar las complejidades de las propuestas visuales que han seleccionado. De esta forma, cada capítulo contiene una presentación general del artista, junto con una selección de algunas de sus creaciones más significativas. Luego, a través de preguntas sobre las obras, se invita al lector a encontrar sus propias respuestas, a fin de que pueda seguir el proceso por sí mismo. Finalmente, en Itinerario de un exposición, las autoras entregan una serie de herramientas, cuya aplicación práctica pretende facilitar el encuentro entre el espectador/lector y la obra.

Una obra que da vida a materiales inusuales a través de la exploración de las peculiaridades del contexto histórico de cada movimiento artístico, de los eventos culturales y las interconexiones clave y de los principales protagonistas en la evolución de dichos movimientos. * Presenta el trabajo de artistas de movimientos que han tenido como objetivo la revitalización de la sociedad mediante el desafío al statu quo. Aunque no son tan conocidas como el pop art, el dadaísmo o el futurismo, las asociaciones de arte global, como la escuela Saqqa-kana, de Irán; el Estridentismo, de México; el Jikken K?b?, de Japón, o el AfriCOBRA, de Estados Unidos, han dado fuerza y voz a sus miembros. En cada apartado se brindan una sucinta explicación, obras características y una lista relevante de artistas destacados, rasgos, disciplinas y colecciones. En la sección de referencia figura un glosario indispensable de términos relacionados con el mundo del arte, un cronograma accesible y un índice de artistas. Los que disfrutan del arte y quieren profundizar en él encontrarán en Esenciales del arte un acompañamiento perfecto que les proporcionará toda la información contextual necesaria para disfrutarlo y comprenderlo, tanto si se trata de un ávido galerista, un aficionado a leer cómodamente en el sillón o un curioso observador. Con textos atractivos, accesibles, acreditados, con un marcado componente visual y redactados y concebidos por expertos.

La fuerza de los logros creativos de los griegos y su legado adaptado por los romanos a través de explicaciones, obras, artistas, disciplinas y tendencias. * Las emociones de los artistas que crearon el arte por primera vez en Grecia y Roma, que desafiaron la sabiduría tradicional para explorar nuevas ideas. Durante más de dos mil años, el arte de Grecia y Roma ha sido el de referencia para la civilización occidental. Este libro ofrece información sobre los orígenes de las atrevidas innovaciones de aquellos que exploraron nuevas ideas, con información sobre los grandes esfuerzos de escultores y pintores para retratar, por primera vez, tanto las complejidades de la forma humana como la riqueza de sus emociones. Los estragos del tiempo han destruido tanto, que parece que el arte griego y romano hubiera consistido únicamente en impresionantes ruinas y fragmentos rotos. Pero la realidad es muy diferente. En cada apartado se brindan una sucinta explicación, obras características y una lista relevante de artistas destacados, rasgos, disciplinas y colecciones. En la sección de referencia figura un glosario indispensable de términos relacionados con el mundo del arte, un cronograma accesible y un índice de artistas. Los que disfrutan del arte y quieren profundizar en él encontrarán en Esenciales del arte un acompañamiento perfecto que les proporcionará toda la información contextual necesaria para disfrutarlo y comprenderlo, tanto si se trata de un ávido galerista, un aficionado a leer cómodamente en el sillón o un curioso observador. Con textos atractivos, accesibles, acreditados, con un marcado componente visual y redactados y concebidos por expertos.

Ya sea ante una xilografía japonesa, La última Cena, de Leonardo da Vinci, o el Guernica, de Pablo Picasso, El arte de mirar le ayudará a afinar la vista y le dará mayor confianza a la hora de analizar imágenes. Esta guía esencial cuenta con un glosario de términos clave, que abarca desde movimientos artísticos y terminología técnica hasta léxico religioso y clásico, y una valiosa lista de lecturas recomendadas. Los que disfrutan del arte y quieren profundizar en él encontrarán en Esenciales del arte un acompañamiento perfecto que les proporcionará toda la información contextual necesaria para disfrutarlo y comprenderlo, tanto si se trata de un ávido galerista, un aficionado a leer cómodamente en el sillón o un curioso observador. Con textos atractivos, accesibles, acreditados, con un marcado componente visual y redactados y concebidos por expertos.

El impacto inicial que provocó el impresionismo fue dando paso de forma paulatina a la aceptación y a la popularidad generalizada. Su influencia en el arte moderno es imponderable. A menudo se olvida lo provocativos que resultaron los lienzos impresionistas cuando se expusieron por primera vez, en 1874. Los defensores del nuevo estilo rechazaron los principios artísticos establecidos que prevalecían por aquel entonces en Francia. Los impresionistas tuvieron el valor de utilizar el color y las pinceladas rápidas para ejecutar sus obras al aire libre, creando pinturas con las que captaron los efectos transitorios de la luz y de los sentimientos. Ralph Skea nos muestra cómo los artistas impresionistas transformaron los temas cotidianos y traza el recorrido del movimiento desde sus orígenes, en Francia, hasta su propagación por todo el mundo.

Esta obra permite al lector adentrarse en el mundo artístico de un modo sumamente sencillo: solo hace falta que lleve consigo su curiosidad. ¿En qué consistió la furia iconoclasta del siglo XVI? ¿Qué supuso la formación de las Guerrilla Girls? ¿Todavía se hacen happenings? No tardará en saberlo.

La mujer ha sido durante mucho tiempo tratada por los artistas como objeto de representación, pero su contribución como creadora de arte es poco reconocida. Aunque las mujeres artistas ya no están obligadas a trabajar en el anonimato ni a aceptar seudónimos masculinos, hace relativamente poco, en 1989, las Guerrilla Girls salieron a las calles de Nueva York para preguntarse si las mujeres tienen que estar desnudas para entrar en el Metropolitan Museum. En este libro, la autora explora la vida y la obra de más de cincuenta de las más destacadas artistas femeninas de todos los ámbitos desde el siglo XV hasta la actualidad, entre ellas, Artemisia Gentileschi, Georgia O'Keeffe y Louise Bourgeois.

Desde los túneles ferroviarios y los oscuros callejones hasta las glamurosas ferias internacionales de arte, el street art se ha convertido en un fenómeno global. Simon Armstrong explora las raíces de este movimiento y nos muestra la influencia duradera de la cultura del grafiti de la década de 1960 de Filadelfia y la de 1970 de Nueva York en el street art de la actualidad. Un análisis de la compleja relación del movimiento con el grafiti, la ley, el mundo del arte comercial y la gentrificación a medida que evoluciona y va adoptando nuevos materiales, estilos y técnicas. Este libro recoge muchos de los nombres más significativos de la subcultura, desde los primeros taggers, como Taki 183, hasta reyes de la escena neoyorquina como Dondi y Seen, pasando por Shepard Fairey, Banksy, Invader, Miss Van y Vhils. La exuberante creatividad del street art aporta color y energía a los espacios públicos de todo el mundo y sigue desafiando nuestra forma de pensar y de ver.

El arte moderno y contemporáneo abarca uno de los períodos más dinámicos y emocionantes de la historia del arte: desde el impresionismo, en el siglo XIX, hasta el Destination Art, del siglo XXI. Amy Dempsey desentraña las habituales complejidad de la terminología relacionada con el arte moderno y contemporáneo para trazar un mapa de estilos, escuelas y movimientos. Valiéndose de una práctica y sencilla estructura, la claridad estilística de Dempsey y la cuidada selección de obras de arte dan lugar a sesenta y ocho agrupaciones esenciales en el arte moderno y el contemporáneo occidental.

Editorial: konemann //

"Suzanne Barbezat, escritora y guía turística de Oaxaca, invita al lector a reconstruir la vida de Frida Kahlo tomando como punto de partida la famosa Casa Azul. La autora ofrece, gracias a una minuciosa y profunda investigación, una versión renovada acerca del trabajo y la visión vital y artística de Kahlo que resultará atractiva para todo tipo de lector. Una biografía a través de los prismas de la vida cotidiana de la artista y también una reflexión sobre su obra."

Frida fue algo más que dolor y angustia. Quiso ser fiel a su arrolladora personalidad y se convirtió en una artista llena de vida. Su pintura es fiesta, color, sangre y vida. Fue una luchadora que decidió ponerse el mundo por montera y una mujer apasionada que no se conformó con estar a la sombra de su gran amor, el pintor Diego Rivera. Frida decidió vivir con intensidad, tanto las desgracias como las alegrías que le deparó la existencia. Inspirado en las vivencias de la icónica pintora mexicana, este libro ofrece un hermoso paseo ilustrado por su vida y su obra.

Este libro recoge seis entrevistas realizadas al artista estadounidense Gordon Matta-Clark (1943-1978) en los años más productivos de su trayectoria artística, desde 1974, poco después de completar su famosa obra Splitting "que consistió en partir por la mitad una casa suburbana condenada al derribo", hasta el año de su temprana muerte, en 1978, a los 35 años de edad. Artista de pocas palabras, que prefería la acción a las declaraciones teóricas, estas entrevistas constituyen unos valiosos documentos para profundizar en las motivaciones que dieron lugar a sus obras.

Esta publicación presenta la reproducción completa de las cuatro series de la obra gráfica de Francisco de Goya: Los Caprichos (1799), Los Desastres de la Guerra (1810-1815), La Tauromaquia (1815-1816) y Los Disparates (1815-1823). En las dos primeras series (Los Caprichos y Los Desastres de la Guerra) Goya presenta despiadadamente la ruinosa situación social y política de su país, a la que habían conducido la corrupción y la mala administración económica. La mirada incisiva de Goya expone al público las debilidades más comunes del pueblo, haciendo de sus grabados temas universales. La serie La Tauromaquia se compone de 32 representaciones de la historia del toreo y se cierra con la glorificación del torero más significativo del tiempo de Goya, Pepe Illo. En la composición de Los Disparates, una serie que fue publicada 36 años después de la muerte de Goya bajo el título inocuo de Los Proverbios, Goya se inspira en las mismas fuentes que en las series anteriores —refranes, formas de hablar, alegorías y símbolos— para transformarlas magistralmente en parábolas que expresan el caos que vive su país.

En Grandes artistas encontrarás una colección de 84 retratos ilustrados que muestran las numerosas conexiones que se han establecido entre los artistas más valorados del mundo. Ya sea a través de la enseñanza, como Paul Klee y Anni Albers; de la existencia de una musa en común, como las flores de Georgia O'Keeffe y Takashi Murakami; o de una estimulante relación amorosa, como la de Lee Krasner y Jackson Pollock, estas conexiones vinculan a varios pioneros del arte de un modo fascinante e inesperado. A través del relato de sus vidas y de sus logros creativos -cada uno de ellos extraordinario y, a menudo, innovador- Susie Hodge nos presenta la tupida red de conexiones que ha dado como fruto a algunas de las mejores obras maestras del mundo del arte.

Un siglo después de su muerte, el artista vienés Gustav Klimt (1862-1918) aún continúa sorprendiendo con su erotismo desvergonzado, sus superficies deslumbrantes y su experimentación artística. En esta monografía reunimos todas las obras fundamentales de Klimt junto a anotaciones histórico-artísticas acreditadas y material de su archivo personal. Con lujosas ilustraciones, e incluyendo la nueva fotografía de la aclamada serie Stoclet Frieze, el libro repasa la trayectoria de Klimt y su papel destacado en el movimiento secesionista de 1897, su fiel representación del cuerpo femenino y su deslumbrante época dorada, en la que el pan de oro aportó textura y un tono brillante a obras tan célebres como El beso y Retrato de Adele Bloch Bauer I, también conocido como La dama de oro.

El sumo de Helmut Newton fue un proyecto titánico que destacó sobre cualquier otro libro editado anteriormente. Para celebrar su vigésimo aniversario, esta edición de tamaño xl actualizada y revisada por June Newton reúne 464 imágenes y un nuevo cuaderno que narra el proceso de creación de esta aventura editorial, un homenaje espectacular al gran Helmut Newton.

En la era del big data y la distribución digital de información, cuando las noticias viajan cada vez más rápido y los medios de comunicación compiten en Internet por un poco de atención, las infografías se han convertido en grandes protagonistas. Matizadas y ordenadas al mismo tiempo, destilan ideas abstractas, estadísticas complejas y descubrimientos de vanguardia presentados en diseños sucintos, convincentes y magistrales. Cartógrafos, programadores, estadísticos, diseñadores, científicos y periodistas han desarrollado la visualización del conocimiento hasta convertirlo en un nuevo campo de especialización. Este compendio de tamaño XL explora la historia de la información gráfica de la Edad Media a la era digital. Bajo la dirección de Sandra Rendgen, presenta unas 400 piezas fundamentales que, entre otros muchos campos, abarcan astronomía, cartografía, zoología y tecnología. Por medio de manuscritos medievales, rollos de pergamino, mapas elaborados, magníficos atlas populares y ejemplos de los primeros trabajos de información gráfica por ordenador, analiza con detalle el contexto histórico de cada pieza, entre las que se cuentan obras de referencia como el famoso mapamundi de Martin Waldseemüller y los minuciosos estudios de la naturaleza de Ernst Haeckel, además de muchos tesoros desconocidos.

Editorial: Konemann

Contemple de cerca los complejos signos y garabatos de Jean-Michel Basquiat, cuyas pinturas conservan hoy la misma frescura y vigencia que en el Nueva York de la década de 1980. Esta monografía en tamaño XXL reúne exquisitas reproducciones de las obras más destacadas del artista, acompañadas de textos del editor Hans Werner Holzwarth y de Eleanor Nairne, comisaria e historiadora de arte. Presentan a un artista cuya leyenda sigue viva, un símbolo de Nueva York de los años ochenta.

¿Quieres aprender a hacer hand lettering como los mejores creadores de diarios y agendas de las redes sociales? Cindy Guentert-Baldo, profesora entusiasta y diseñadora de pegatinas, te ayudará a conseguirlo. Solo debes seguir los tutoriales de Cindy y los ejemplos de estas páginas, que además de ofrecerte un gran abanico de ideas inspiradoras incluyen espacio para que puedas practicar. Aprende a dibujar letras ligadas, superpuestas y con adornos, y a crear diferentes estilos y sencillos abecedarios. ¡Esto es todo lo que necesitas para personalizar con estilo tus agendas!

La historia del arte' es una de las obras sobre arte más famosas jamás publicadas. Durante más de cinco décadas no ha tenido rival como introducción al arte en su totalidad, abarcando desde las primera pinturas rupestres hasta el arte experimental contemporáneo. Lectores de todas las edades y culturas han sabido hallar en el profesor Gombrich a un auténtico maestro, en quien conocimiento y sabiduría se conjugan con un don único para comunicar de manera clara su profundo fervor por las obras de arte objeto de su estudio. Esta obra debe su amplia difusión a lo directo y espontáneo de su estilo, así como a la clara exposición del autor, quien afirma que su propósito es <>. Esto, unido a su íntima comprensión de la psicología de las artes visuales, nos permite contemplar la historia del arte como un <>.

La historia del arte es uno de los libros dedicados al arte más famosos y populares nunca escritos y ha sido un best-seller durante medio siglo. Durante cinco décadas no ha tenido ningún rival como introducción al arte en su totalidad, abarcando desde las pinturas rupestres primitivas hasta el arte experimental contemporáneo. Atraídos por la claridad y simplicidad de su narrativa, lectores de todas las edades y condiciones han encontrado en el profesor Gombrich al auténtico maestro, que combina el conocimiento y sabiduría con un don único para comunicar su profundo amor por el arte. La historia del arte debe su amplia difusión a lo directo y espontáneo de su estilo, así como a la clara exposición del autor. Este libro siempre ha sido admirado por dos cualidades: es un placer de leer y un placer de manejar, combina un texto que fluye suavemente con un diseño claro, simple y de accesible formato. En su nueva edición, la 16ª de este clásico, está destinada a seguir siendo punto de referencia indispensable para las nuevas generaciones, así como la primera fuente de información para los recién llegados al mundo del arte. Ernst Gombrich nació en Viena y se trasladó a Gran Bretaña en 1936. Pasó gran parte de su vida trabajando en el instituto Warburg de la Universidad de Londres, donde fue director desde 1959 hasta su retiro en 1976. Su “jubilación” vio la publicación de numerosos libros, artículos y ensayos y la concesión de numerosos honores internacionales, incluidos el título de Sir y la Orden del Mérito. En 1994 la ciudad de Frankfurt le concedió el premio Goethe. Su best seller The Story of Art, publicada por primera vez hace 50 años, continua deleitando e informando a los estudiantes del mundo entero.

• Descubra cómo utilizar la luz y la iluminación en una amplia variedad de medios con esta guía para artistas visuales. • Propiedades fundamentales de la luz natural y la luz artificial, cómo crear imágenes realistas observando a las personas y el entorno, y cómo usar la luz en composición y diseño. • Actualizada, con nuevas fotografías y material gráfico renovado, además de 15 ejercicios prácticos. Una obra con bases sólidas y reales de la mecánica de la luz para ayudar a los artistas a tomar decisiones creativas con mayor libertad. Conocer las reglas permite valorar mejor las cosas cuando se trata de aplicarlas o romperlas. Una fuente indispensable para animadores, ilustradores digitales, pintores, fotógrafos y artistas de cualquier medio.

Del inabarcable reino de la flora, los árboles son uno de los seres vivos más presentes en la cultura humana y, sin embargo, están todavía lejos de revelar todos sus misterios y secretos. Son seres bellos, ingeniosos, de enorme envergadura e increíblemente capaces de ocupar el espacio, salir de cualquier situación difícil y resistirse a la voluntad de control del hombre. No molestan y viven más que cualquier otro ser vivo.

Leonardo da Vinci, el gran polímata de todos los tiempos, paradigma del sabio renacentista, fue un hombre excepcional que abarcó todo tipo de disciplinas artísticas y científicas, desde luego las que le dieron más fama: la pintura, la escultura y la arquitectura; pero también la botánica, la anatomía o la música, y sin duda su faceta como inventor e ingeniero es hoy uno de los grandes motivos para adentrarse en la vida y obra de este genio. Un hombre que fue hijo ilegítimo, cuya vida íntima está rodeada de secretos, como su misteriosa escritura especular, que como hombre de su tiempo, trabajó para los Médici o los Sforza y escondió sus estudios anatómicos para evitar controversias con la Iglesia; pero que como hombre adelantado a su época, fue capaz, entre los siglos XV y XVI, de diseñar un helicóptero, hacerse vegetariano por razones éticas, inventar el Sfumato o dar las proporciones del ser humano, merece un monográfico desde el que redescubrir todo su talento.

Leonardo Da Vinci (1452-1519) es sin duda uno de los mayores genios que jamás hayan existido. Pintor, dibujante, inventor, teórico y maestro, contituye el prototipo del hombre del Renacimiento, con una contribución a las bellas artes, la literatura, la ciencia y la tecnología verdaderamente admirable. Esta recopilación presenta una selección de los estudios más fascinantes de Leonardo da Vinci. El volumen pretende desvelar las ideas del genial artistra, ilustrándolas mediante más de un millar de bosquejos originales y delicados dibujos a mano alzada. La obra se divide en tres partes: "Belleza, razón y arte"; "Observaciones y orden", y "Cuestiones prácticas", precedidas de su correspondiente introducción. La minuciosa disposición del material gráfico tiene por objeto realzar y hacer más comprensibles los textos originales. Aquí encontrará apuntes del punño y letra de Leonardo y singulares garabatos descifrados y traducidos, todo lo cual le orientará y le permitirá orientará y le permitirá profundizar en la obra y el genio de su creador.

Leonardo da Vinci sigue siendo hoy uno de los seres humanos más brillantes que jamás haya existido. Basado en nuestra edición superventas en formato XXL, este espectacular volumen reúne todas las pinturas del artista con detalles a toda página, entre ellas Salvator Mundi, la obra que ha alcanzado recientemente el precio más alto pagado jamás por una pintura en subasta.

En el 500 aniversario de la muerte de Leonardo da Vinci, esta edición actualizada de nuestro título en formato XL es el libro más completo jamás publicado sobre la vida y obra del pintor, escultor, arquitecto e inventor. El catálogo razonado de las pinturas de Leonardo abarca todas sus obras pictóricas existentes y perdidas. Con detalles a toda página de muchas de ellas, esta publicación permite al lector examinar hasta las facetas más sutiles de esas pinceladas que revolucionaron la historia del arte.

Conviértase en un detective de la historia del arte con este fascinante estudio sobre los más mínimos detalles de pinturas célebres en todo el mundo, y descubra las historias de personajes y políticos, modas e intrigas, estilos de vida y amores que se esconden detrás.

In the Louvre you can find European masterpieces among the varied magnificent collections. This virtual tour through the museum shows these masterpieces alongside lesser known treasures. Whether they are grand historic works, touching votive paintings, extravagant still lifes, or intimate portraits—they all have a story to tell about our world in historic times.

Las imágenes de este libro proporcionan una visión diferente de la historia del arte moderno y contemporáneo que la de los museos al uso. Aquí vemos las salpicaduras y los residuos por los suelos, los espacios que sirven de hogar y estudio, las marcas que dejan la repetición de las obras y de tratamientos: no solo el diestro producto final. Lo que se nos da es una seductora visión de algunos de los artífices de muchas de las grandes obras de arte de las últimas ocho décadas, así como de los lugares y las circunstancias de su creación. Un retrato sincero de algunos de los hombres y mujeres más influyentes que han dado forma a la cultura visual de los siglos xx y xxi.

Los gabinetes de curiosidades aspiraban a ser verdaderas enciclopedias de la humanidad y reunían objetos de todos los ámbitos de la vida, desde obras de arte, gemas, armas, instrumentos meteorológicos y herramientas alquímicas hasta hallazgos arqueológicos, plantas exóticas y extraños animales. Descubra las mejores y más selectas colecciones del todo el mundo por medio de fotografías de magnífica factura y análisis esclarecedores.

El género fantástico (fantasy art), esa animada mezcla de criaturas míticas, héroes musculosos y valquirias ligeras de ropa en paisajes extraterrestres, se puso de moda en la década de 1960 con el lanzamiento de la revista Creepy, la reimpresión de El señor de los anillos en 1965, los libros de bolsillo de Conan el Bárbaro con cubiertas de Frank Frazetta y el surgimiento de la fantasía psicodélica al final de esa misma década. Su popularidad aumentó en la década de 1970 gracias al juego de rol Dungeons & Dragons, la brillante revista francesa Métal Hurlant y la primera película de Star Wars. El número de artistas en activo alcanzó su punto máximo en aquellos años, pero una nueva generación de fans descubrió el género por medio de juegos de cartas en la década de 1990, lo que condujo al enorme interés que esta forma de arte suscita hoy en día. En las escasas ocasiones que estas han llegado al mercado, las pinturas al óleo de Frank Frazetta se han vendido por más de cinco millones de dólares. Los aficionados hacen cola en el festival Comic-Cons de San Diego para conocer a Boris Vallejo, Rodney Matthews, Greg Hildebrandt, Michael Whelan y Philippe Druillet, y rendir homenaje a ídolos fallecidos como HR Giger, Moebius, Jeffrey Catherine Jones y Frank Frazetta. Imagine el entusiasmo con que darán la bienvenida a esta History of Fantasy Art de TASCHEN, que presenta, entre otros, a los artistas aquí enumerados. Este tomo de tamaño descomunal se adentra en este género dinámico y extravagante por medio pinturas originales contextualizadas con bocetos, esculturas, calendarios, revistas y libros de bolsillo. Con completas biografías que van más allá de lo que cuenta la Wikipedia y ofrecen una mirada más precisa y reveladora a la vida de cada artista. Asimismo, el volumen incluye desplegables y portadillas individuales para cada uno de los capítulos, lo que convierte a esta colección en la guía más completa y exquisita sobre este popular tema de los próximos años. Primera edición numerada de 7.500 ejemplares

La acuarela vive un auge sin precedentes. De ser una técnica plástica entre muchas, en los últimos años y probablemente gracias al fenómeno del "urban sketching, se ha convertido en el lenguaje con el que cada vez más gente documenta su entorno cotidiano. El azar y la sorpresa son parte del atractivo de la acuarela, pero tan o más importante es conocer su técnica y sus principios fundamentales. ¿Qué papel escoger para pintar con acuarela? ¿Qué tipo de pigmento? ¿Cuáles son los trazos y manchas básicos? ¿Cómo trabajar la luz del sol? ¿Dónde ubicar los elementos cruciales de una composición? Esta introducción práctica a la acuarela presenta, a través de sencillas fichas, los aspectos fundamentales de esta técnica y de algunos principios básicos de la composición visual. Un pequeño gran libro que te ayudará a sacar el acuarelista que hay dentro de ti. Curtis Tappenden es pintor, poeta, artista de performance y escritor. Ha trabajado como ilustrador para el sector editorial y es autor de más de veinte títulos sobre dibujo, pintura y diseño gráfico. Imparte clases en la University for the Creative Arts de Kent y Surrey y ha expuesto su obra artística en numerosas galerías del Reino Unido.

Aunque los dinosaurios desaparecieron de la Tierra hace más de 66 millones de años, nos siguen fascinando. En esta historia del paleoarte, la escritora Zoë Lescaze y el artista Walton Ford rastrean el mundo tras pinturas, dibujos, láminas, mosaicos y murales de estos grandes reptiles. Con piezas que abarcan desde el siglo XIX hasta la era digital, esta colección rinde tributo a una de las tradiciones pictóricas más imaginativas del hombre.

Cortadas en pequeños trozos y dibujadas, las emociones son mucho más fáciles de digerir.

Una extraordinaria selección de obras de artistas de todo el mundo, del siglo XVII hasta la actualidad, que ponen el foco sobre la fi gura del perro. De Goya a Sally Muir pasando por David Hockney o Marie Laurencin, las distintas miradas artísticas, combinadas con breves textos sobre las obras, los movimientos y las razas, nos acercan a nuestra concepción del mundo canino, así como a las relaciones que se tejen entre el ser humano, el arte y el mundo animal.

"El alma de la pintura: Retrato" propone esta técnica como una forma de llegar hasta lo más profundo de una persona a través de sus rasgos faciales. Incluye imágenes y ejercicios paso a paso para aprender proporciones, perspectivas y el uso del color, entre otros importantes aspectos artísticos. Una excelente guía para quienes desean alejarse de las preocupaciones y encontrar instantes de paz en la intimidad del arte.

Reúne acuarelas, gouaches, rotuladores y demás pinturas que tengas para adentrarte al particular mundo de la artista Sara Boccaccini con 17 preciosos proyectos botánicos explicados paso a paso. Aprende a inspirarte en la naturaleza que te rodea, observando sus curiosas formas y dejándote seducir por sus bonitas paletas de colores.

Primeros auxilios para conservar el ingenio y sobrevivir en el trabajo. Cumplir con los plazos de un proyecto, estar a la altura de las expectativas del cliente, trabajar en casa de forma disciplinada, trabajar por cuenta ajena sin perder la motivación, lograr jornadas laborales que no se extiendan hasta altas horas de la madrugada, priorizar y ordenar acertadamente el trabajo pendiente... ¿Eres diseñador, ilustrador o creativo y te has enfrentado alguna vez a cualquiera de estas situaciones? Los psicólogos definen la creatividad como la producción de ideas novedosas y adecuadas en cualquier ámbito de la actividad humana, pero la creatividad también es un oficio y, como tal, acarrea una serie de condiciones y situaciones laborales que no siempre son fáciles de llevar. En este libro, Frank Berzbach analiza con humor y lucidez los factores que condicionan el rendimiento y la capacidad creativa del profesional del diseño, y proporciona una serie de reflexiones y consejos prácticos para desenvolverse en el día a día laboral del estudio, la agencia o el aislamiento sin que decaigan los ánimos. Desde los ilustradores que trabajan solos en su casa hasta los directores de arte publicitarios que tienen a su cargo un gran equipo multidisciplinar, cualquier perfil de creativo encontrará en estas páginas un iluminador retrato del mundo laboral y una guía práctica para adquirir buenos hábitos de trabajo y no bloquearse a lo largo de la trayectoria profesional.

30 ejercicios para aprender nuevas técnicas y trucos. La pintura acrílica tiene un gran potencial expresivo que la acerca a la frescura de la acuarela y a la materialidad del óleo. Este libro te introduce en las infi nitas posibilidades técnicas y artísticas del acrílico mediante el descubrimiento de formas emocionantes y totalmente nuevas de utilizarla. · Principios y materiales. Aprenderás las características básicas de este tipo de pigmento, los utensilios adecuados para trabajarlo y las claves para crear paletas de color armónicas y mezclas cromáticas originales. · 30 ejercicios. Desde el de pintar un vaso de agua y jugar con las transparencias, hasta el de experimentar coloreando y customizando fotografías antiguas, sumérgete en los retos artísticos que te plantea el libro siguiendo paso a paso sencillas instrucciones repletas de trucos y consejos. Practicarás todo tipo de técnicas, como el puntillismo, el esgrafiado o la veladura, a partir de atractivos proyectos que van de lo más básico a lo más complejo. · Creatividad. No solo descubrirás las posibilidades expresivas del acrílico sino que, ejercicio tras ejercicio, explorarás tus propios límites y disfrutarás reinventando un lenguaje y estilo personales. ¡Un libro que desmontará todas tus ideas preconcebidas sobre la pintura acrílica y te animará a enfrentarte al lienzo con ojos frescos y nuevas ideas!

Solo unos cuantos devotos de la forma se han acercado a las radicales contribuciones que Rembrandt Harmenszoon van Rijn aportó al arte del autorretrato. Rembrandt desafió las convenciones consagradas por sus predecesores y transformó este formato en un medio capaz de comunicar profundidad emocional, en lugar de plasmar simplemente el aspecto físico en un ambiente adecuado o lujoso como era habitual. Con más de 80 obras que abarcan pinturas, grabados y dibujos, los autorretratos que el holandés realizó a lo largo de su vida son un medio para fijar lo efímero, ya sean momentos de evolución individual frente al paso inexorable del tiempo o de emociones y gestos faciales que desaparecen sin rastro con la misma rapidez con la que aparecieron. Durante las cuatro décadas en que fueron pintados, una constante llama la atención en todas las técnicas y estilos: el empeño de Rembrandt por presentarse desde múltiples perspectivas, de celebrar la multiplicidad del individuo y de apostar por un retrato natural y sin filtros de la expresión emocional. Esta monografía, publicada en conmemoración del 350º aniversario de la muerte del artista, presenta todos los autorretratos de Rembrandt en impresionante tamaño XL. Desde sus primeros experimentos cuando tenía 22 años hasta su último autorretrato pintado un año antes de su muerte, esta colección monumental es testimonio de una vida dedicada a revolucionar la práctica pictórica en forma y contenido.

El Siglo de Oro de la pintura neerlandesa engendró algunos de los mejores artistas y artesanos de la historia, pero pocos pueden presumir del genio de Rembrandt. Para conmemorar 350 años de un legado sin precedentes, esta monografía tamaño XXL reúne las 330 pinturas del artista en exquisitas reproducciones y detalles. Cualquiera que sea el formato, las pinturas de Rembrandt están tejidas de sutilezas: en cada arruga en el rostro, cada mirada o y cada rasgo.

Los dibujos y grabados de Rembrandt le valieron el reconocimiento sin parangón de sus contemporáneos, pintando momentos y miradas difíciles de capturar en solo unos trazos. En conmemoración del 350 aniversario de su muerte, esta monografía XXL es la primera colección que reúne la obra completa de Rembrandt en papel, con 708 dibujos impresos en color por primera vez y 314 grabados presentados en magníficas reproducciones.

El 11 de julio de 1897, el científico Salomon August Andrée, el ingeniero Knut Frænkel y el fotógrafo Nils Strindberg se embarcaron en el Örnen, un globo aerostático con el que pretendían explorar el Polo Norte. La increíble expedición, seguida con apasionado interés por la sociedad sueca de la época, tuvo un desenlace fatal: después de tres días de vuelo, el globo descendió hasta caer en un banco de hielo y los tres intrépidos aventureros subsistieron unos meses hasta fallecer. Probablemente, la aventura del Örnen se habría ido desvaneciendo en la memoria escrita y oral europea si no fuera porque, 33 años después, en una nueva expedición ártica, se halló el último campamento de los exploradores suecos. Entre sus pertenencias se encontraba todo el material fotográfico que había ido elaborando Nils Strindberg y, de repente, la cuasi leyenda del Örnen se hizo imagen.

¿Sabrías trazar un cuadrado, un triángulo o un rectángulo? Si es así, íentonces sabes dibujar! Este libro te ofrece un método de iniciación al dibujo que parte de una constatación muy simple: el cuerpo humano y todo lo que nos rodea puede descomponerse en formas geométricas elementales. A partir de esta premisa, Pierre Pochet propone una sencilla técnica que te permitirá dibujar lo que quieras rápidamente y de memoria. · Aprenderás a dibujar eficazmente rostros, bustos, el cuerpo humano, animales, automóviles, edificios, paisajes, interiores. Más de 500 dibujos te ayudarán a visualizar todas las claves para reducir a formas geométricas cualquier imagen compleja. · Un libro útil para todas aquellas personas que carecen de formación artística pero que quieren desarrollar su carrera en algún sector creativo: la publicidad, el diseño, la comunicación. íY también para cualquiera que simplemente desee aprender a dibujar!

El extraordinario catálogo de especímenes naturales de Albertus Seba no es sólo uno de los mayores logros de la historia natural del siglo XVIII, sino también uno de los libros de historia natural más preciados de todos los tiempos. Un bello homenaje a la amplia variedad y detalle de criaturas grandes y pequeñas, así como a algunos animales ya extintos.

Estuche con los volúmenes 1 y 2 de Sobre los artistas, la primera recopilación sistemática y exhaustiva de todo lo que John Berger ha escrito sobre los artistas. Una personalísima historia del arte. “Siempre he detestado que digan que soy crítico de arte.” Así presenta John Berger esta antología completa de todos sus ensayos sobre artistas. Y ciertamente sería poco fiel a la realidad reducir a la categoría de crítico de arte a uno de los intelectuales europeos que no solo ha sabido diseccionar la obra plástica de tantos artistas, sino que ha aportado nuevos enfoques sobre la propia naturaleza del lenguaje visual y su papel en la cultura contemporánea

Disfrute con el arte de Pierre-Joseph Redouté, el Rafael de las flores. Este libro reúne todos los grabados botánicos de sus magníficos volúmenes Las rosas y La selección de las más bellas flores y ramas con los mejores frutos así como de su libro Las liláceas. Mostrando su maravillosa habilidad para combinar precisión y belleza, Redouté traslada al lector a los magníficos invernaderos y jardines del París de antaño.

Mordido por una araña radiactiva, un adolescente normal y corriente, Peter Parker, se viste el traje de Spider-Man y se lanza a la búsqueda de los malvados en la ciudad de Nueva York. Medio siglo después del debut de sus redes, se ha convertido en el superhéroe más popular del mundo. Este es un homenaje a las batallas de nuestro lanzarredes favorito con una de las mejores galerías de pícaros del cómic.

Reunidos por las leyendas del cómic Stan Lee y Jack Kirby, el de Los Vengadores es el superequipo capaz de vencer a todos los superequipos. Capitán América, Thor, Iron Man, el Hombre Hormiga, Avispa y el Increíble Hulk fueron los primeros, pero muchos otros héroes han formado parte del grupo desde entonces. ¡Esta es la guía definitiva de los momentos más memorables de Los Vengadores!

Cuando pensamos en Tom of Finland, lo primero que nos viene a la cabeza son jóvenes muy machos, musculosos y vestidos de militar. La visión de la perfección masculina de Tom se forjó mientras prestaba servicio como oficial del ejército en la Segunda Guerra Mundial. Aunque se alistó en el Ejército del Aire finlandés, fueron las tropas alemanas, afincadas en Finlandia para repeler la invasión del ejército ruso, las que le sirvieron de inspiración. Al fin y al cabo, sólo los alemanes llevaban uniformes creados por Hugo Boss que sentaban como un guante, no escatimaban en toques de diseño y se complementaban con relucientes botas de caña alta de cuero. Tom, que por entonces tenía 19 años, quedó prendado de ellos, una obsesión que fue a más tras mantener sus primeras experiencias sexuales con oficiales alemanes en las calles oscuras de Helsinki. Tom empezó a plasmar sus fantasías militares en papel en 1945, cuando terminó la guerra, para rememorar sus excitantes encuentros nocturnos. Al principio los uniformes de Hugo Boss protagonizaban todos sus dibujos, pero con el paso de los años y las décadas amplió el abanico a la indumentaria de la Marina de Estados Unidos y, después, a sus propios diseños híbridos de cuero negro, pantalones de montar, botas y gorras de plato, con emblemas creados para reemplazar a las insignias militares. A medida que Tom atrajo a una hueste de adeptos, creó con lápiz, pluma y acuarela un ejército de hombres masculinos, libres e imponentes comprometidos con el placer y la camaradería masculina. The Little Book of Tom: Military Men explora la fascinación de Tom por la indumentaria militar con una combinación de tiras de cómics, dibujos e ilustraciones a toda página en un formato compacto y asequible de 192 páginas. Los fotogramas y pósteres de películas históricas, las fotografías, los bocetos y las imágenes de referencia del artista desgranan el contexto cultural y las inspiraciones personales tras el héroe por excelencia de Tom of Finland.

Este cuaderno es para ti, para que con él inicies de manera sencilla e inmediata tu andadura en el mundo del diseño de información. La intención de las autoras es ayudarte a mirar el mundo con nuevos ojos para que descubras que, de todas partes, empezando por tu propia vida, pueden extraerse datos significativos con los que experimentar y expresarte visualmente. La música que te gusta, tu pasado, tus viajes, los sonidos que te rodean… Con este libro aprenderás a detenerte y observar los detalles de tu vida cotidiana que más te importan dándoles una forma narrativa y personal con tus propias reglas, estilo y lenguaje visual. ¡Relee tus experiencias y descubre, a través del dibujo de datos, todo un universo creativo por explorar!

Estas páginas no contienen una biografía al uso. Aquí, Beauvoir no es solo una de las personalidades más célebres del siglo XX, sino una mujer cuya experiencia sigue teniendo ecos en la vida de las mujeres de hoy. Esa es, precisamente, la novedad de este libro: los pasos de Beauvoir no se quedan en el pasado, aislados en su mayo del 68 o en su romance con Jean-Paul Sartre, sino que se desplazan hasta la manera de caminar y de ver propias de las mujeres jóvenes del siglo XXI.

Artista y entusiasta de los perros, Sally Muir recoge en este libro 365 ilustraciones de canes de todas las formas, razas y tamaños. A través de elaborados bocetos, pinturas al óleo o litografías, Un perro cada día es una celebración de la ternura y las emociones que transmiten y despiertan estos bellos animales.He tenido perros toda mi vida. Mis padres tuvieron hasta cuatro generaciones de caniches entre los años 50 y los 60. A principios de la década de 1970 se pasaron a los lebreles afganos, Casanis y Ottoline, que eran madre e hija, ambas preciosas, rebeldes y con pocas luces. Después de ellas llegó Battersea, un chucho en apariencia encantador pero que tenía la costumbre de morder a mi madre cuando nadie miraba. Al final volvieron a los caniches con Bognor, un bello ejemplar color albaricoque, aunque un poco tonto. Después de él y sin explicación alguna, se pasaron a los gatos. Fui yo quien retomó la costumbre de tener perros en la familia con Fanny, una perra adoptada con mucho pelo que parecía el músico de reserva del grupo Duran Duran. Tenía mucha personalidad y era de ideas fijas. Después llegó Dorothy, una dálmata con buen carácter, muy cariñosa con todo el mundo. Más o menos en la misma época llegó a casa Jack Swan, un hermosísimo galgo inglés de color dorado que nos encontramos vagando por las calles.

En palabras de Manet, Velázquez fue “el pintor más grande de todos”. Picasso se sintió tan inspirado por su obra maestra, Las Meninas, que creó 44 versiones distintas. Francis Bacon pintó un estudio de su retrato del papa Inocencio X. Monet y Renoir, Corot y Courbet, Degas y Dalí… para muchos gigantes de la historia del arte de ayer y de hoy, el mayor referente ha sido y sigue siendo Diego Rodríguez de Silva y Velázquez (1599-1660). Esta edición de formato accesible, publicada originalmente en tamaño XXL, presenta la obra completa de Velázquez en hermosas reproducciones, que incluyen detalles ampliados y fotografías de pinturas restauradas recientemente, en una iniciativa conjunta de TASCHEN y Wildenstein. Las deslumbrantes imágenes van acompañadas de los comentarios esclarecedores de José López-Rey sobre el interés de Velázquez por la naturaleza humana y el modo en que sus pinturas conceden el mismo protagonismo a todo tipo de personajes, desde una vieja friendo huevos hasta un rey o un papa; así como la importancia que otorgaba al color y a la luz, aspecto que tanto influiría en los impresionistas más de dos siglos después.

Técnicas de dibujo para ilustrar la naturaleza. La naturaleza es un universo en sí mismo que cuenta con gamas de colores particulares, motivos y morfologías propias, encuadres y composiciones recurrentes, y las increíbles posibilidades expresivas de los paisajes y el mundo vegetal. Santi Sallés, urban sketcher de reconocido prestigio y un auténtico apasionado de la naturaleza, ha reunido en este personal manual práctico un compendio excelente de recursos y consejos para aprender o mejorar el dibujo de esta especialidad.

Por mucho que conozcamos la genialidad de los grandes artistas del pasado, a menudo, cuando vemos una obra maestra, nos resulta difícil conectar con ella y captar su grandeza. Ossian Ward se enfrenta directamente a este vacío comunicativo y nos brinda algunas de las claves y parámetros con los que volver a mirar las pinturas de los maestros antiguos. El crítico británico toma diversos conceptos que han sido una constante en la historia del arte -como la paradoja, la belleza o el horror- y los convierte en el hilo conductor que conecta nuestra capacidad interpretativa con las mejores obras de la historia de la pintura. Una cautivadora experiencia inmersiva que nos invita no solo a saber de la espectacular teatralidad de El Bosco o de la armonía y simplicidad de Paul Cézanne, sino a aprehenderlas verdaderamente.

El andar es un acto cognitivo y creativo capaz de transformar simbólica y físicamente tanto el espacio natural como el antrópico. Este libro narra una historia de la percepción del paisaje a través del acto de caminar: del nomadismo primitivo a las vanguardias artísticas de principios siglo XX, de la Internacional Letrista a la Internacional Situacionista, del minimalismo al land art, Francesco Careri repasa algunas de las propuestas históricas que han concebido el acto de deambular no sólo como una herramienta de configuración del paisaje, sino como una forma de arte autónoma, un instrumento estético de conocimiento y modificación física del espacio atravesado que pasa a convertirse en intervención urbana. Esta nueva edición actualizada del clásico de Careri incorpora un epílogo del propio autor donde hace un balance de la trayectoria del libro desde que fuera publicado por primera vez en 2002.

Las acuarelas de animales a gran escala de Walton Ford constituyen un universo antropomórfico lleno de astutas bromas y mensajes ocultos. Esta publicación, el estudio más completo de la obra de Ford hasta la fecha, presenta 40 obras nuevas, más de 120 páginas adicionales y un ensayo inédito del artista.

Centrado en el óleo, este libro constituye una invitación para los lectores a seguir el ejemplo de artistas muy influyentes a través de 30 trabajos icónicos pertenecientes a la colección de la Tate Gallery. Entre los artistas presentados se encuentran Paul Cézanne, Walter Sickert, Lucian Freud, Stanley Spencer, Francis Bacon, Meredith Frampton, Lisa Milroy, Raoul Dufy, Gerhard Richter y Claude Monet.